Indiana Jones: The Pinball Adventure fue diseñado por Mark Ritchie para Williams en 1993. Se trata de una de las mesas de petacos más popular de todos los tiempos, y salió justo en el momento adecuado. Estos juegos aún eran populares, la tecnología por fin permitió que tuvieran un sonido y vídeo de película, y se basaron en una aún reciente aclamada saga.

Esta mesa de pinball está construida alrededor de la tecnología SuperPin de Williams, que anteriormente produjo otros juegos como Twilight Zone (1993) o Addams Family (1992). Se caracterizaban por su pantalla LCD, usada ahora como nunca para mostrar escenas de las películas, y ahora por su novedoso sistema de sonido DCS. Por fin un pinball con sonido digital envolvente, que hace que algo tan aparentemente vano como un juego de pinball nos meta de lleno en las películas.

El sonido es sin duda una de las características más destacadas de la máquina, pues incluye voces digitales de la película para cada escena. Además, la narración del juego corre a cargo del propio actor original de Sallah, John Rhys-Davies. Se han incluído también algunas muestras de Star Wars, como el sonido que hace el Halcón Milenario cuando no arranca el motor superluz, para complementar los sonidos de rampas y objetivos. Todo regado por los maravillosos compases de la banda sonora original compuesta por el inefable John Williams, el mago tras la música de muchas películas de George Lucas y Steven Spielberg.

Oh, pero el juego en sí no se queda atrás. Es una mesa particularmente bien diseñada, con rampas, trampillas y agujeros por todas partes. Igual que todas las máquinas similares hay puntos ciegos y ranuras por donde la bola se pierde irremediablemente, pero esta hornada de mesas incluyó una serie de características para que la experiencia no fuera tan perra. Primero, al inicio de cada «bola» tenemos Eternal Life (como la del Santo Grial), que nos dará otra oportunidad si se nos cuela demasiado deprisa. También se puede activar Narrow Escape, que recuperará la bola en determinadas circunstancias si se cuela por un raíl exterior. Por supuesto también puede forzarse con un empujoncito…

Como otros juegos del sistema SuperPin, la máquina ofrece modos de juego que se activan colando la bola en agujero correspondiente. No es el primer juego que hizo esto, pero sí el que probablemente mejor lo ejecutó al ser estos modos de juego escenas de las películas. En total tenemos una docena de eventos aleatorios disponibles de la trilogía original, algunos de ellos que se juegan directamente en la pantalla de vídeo con los controles de los flippers. En estos modos de juego tendremos alguna tarea: hacer loops, colarla en algún sitio en particular, tocar la diana indicada, etc. Todo ello por supuesto para aumentar hasta la estratosfera nuestra puntuación. Las escenas que podemos (más o menos) protagonizar son la de las vagonetas, la persecución a caballo del tanque nazi, las calles de El Cairo y otras muchas más, cada una con los sonidos de las películas.

La pantalla naturalmente no puede ofrecer mucho realismo, pero sí que acompaña extraordinariamente bien el juego con escenas sacadas (o redibujadas) de las películas. Mención especial merece la escena del modo multibola, en la que, como no podía ser de otro modo, al profesor Jones le persigue una bola gigante. Que es algo de lo que va bien surtida esta máquina: tres modos distintos. Uno es el clásico en el que tenemos que «encerrar» tres bolas para activar y podemos ganar el famoso jackpot, otro de dos bolas que accederemos pegándole a una bola cautiva que hay en la mesa, y el más espectacular de todos: un modo de 6 bolas simultáneas que corresponde con el modo de juego «el pozo de las serpientes». Una verdadera locura, increíble de jugar. Para los más expertos existe un cuarto, también de seis bolas, que se activa tras jugar a todos los modos disponibles, en el que podremos ganar la friolera de mil millones de puntos.

Al juego no le falta de nada. Es una mesa verdaderamente bonita, con montones de adornos de las películas, y detalles verdaderamente buenos: uno de los surtidores de bolas está basado en un ídolo inca, y al dar vueltas soltará bolas que hayan sido bloqueadas o coladas en algún sitio y que aún estén en juego. La «palanca» para poner bolas en juego es totalmente electromecánica, y no es otra cosa que el revólver de Indy. Al pulsar el gatillo «dispararemos» la bola a la zona de juego de la mesa, con sonido y todo. No es de extrañar su enorme popularidad.

Ya hace 25 años que jugué a este pinball. Por desgracia parece que ya los pinballs no son populares, y los bares ya no vienen con uno. Ahora son complicados de encontrar, y más aún el de Indiana Jones, ya que al tratarse de montones de componentes electromecánicos y partes móviles se rompen más que un repuesto chino. Estos repuestos, aunque no sean chinos, son muy difíciles de encontrar hoy día, salvo las ROMs, que al menos se pueden descargar libremente del fabricante. La escasez y la popularidad de esta máquina ha provocado que sus precios se disparen: las más destartaladas se venden por más de 4000 euros, y algunas han llegado a superar los 8000 mortadelos en subastas.

Una forma de rememorar este juego grandioso es a través de un simulador de pinball. Resulta que hay personas que se han tomado la molestia de desmontar, escanear y ensamblar en 3D los diseños originales, permitiendo simular la experiencia en el PC. Al tratarse de una máquina digital, además se puede emular el hardware original junto con su ROM, de modo que tendremos en pantalla las escenas de vídeo y el sonido tal como se pudo oír y ver en su día. ¿No es maravilloso? Quizá un día me atreva a escribir sobre cómo poner en funcionamiento esta máquina. Mientras tanto, he aquí un pequeño vídeo que he grabado. (ahorraos vuestros comentarios sobre lo malo que soy)

En 2008 se construyó, como homenaje imagino, otra versión de la mesa, totalmente rediseñada, que incluía también elementos de la cuarta película, El Reino de la Calavera de Cristal, de ese mismo año. Más moderna, con mejor sonido, aunque curiosamente usa la misma tecnología de la primera y tiene exactamente la misma pantalla, para reproducir la experiencia de 15 años antes. No obstante se centra más en esta última película, por lo que en opinión de este humilde chulón tiene menos atractivo.

Espero poder volver a jugar a esta maquinita antes de irme al patio de los callaítos algún día. ¿Quién sabe? Lo mismo algún coleccionista que tenga un bar se atreve a exponerla, so peligro de que manos pringosas la profanen… Mientras tanto, mis agradecimientos a mis amigos, los aficionados al pinball, que me asesoran en este artículo:

• La trampilla inquieta
• La bola humana
• Don Flipper y don Petaco
• El agujerito sátiro
• La rampa ocultona
• Y por supuesto, don Me-Cago-En-Sus-Muertos-Ya-Se-Ma-Colao.

Sed felices, y recordad estas preciosas máquinas, aunque sólo sea para dar la vara a vuestros hijos de cómo nos divertíamos con ellas.

La entrada Indiana Jones: The Pinball Adventure se publicó primero en Detrás del último no va nadie.

Sin embargo aún tengo algunas espinas clavadas en el costado. Juegos que no tienen suficiente colectivo de seguidores o que son demasiado antiguos para que los más jóvenes recuerden el original. O quizás que simplemente que sólo yo creo que merezcan algo más. En todo caso, estos son algunos de los juegos que creo que necesitan una remasterización en condiciones o un remake de verdad. O reboot, o como demonios se diga este mes. Sobre todo, obras que son imprescindibles y fascinantes, pero injugables hoy día.

Starflight

A menudo se considera a Elite (David Braben e Ian Bell, 1984)  como el punto cero de los juegos de aventura y exploración espacial en un mundo abierto. Pero dos años más tarde Binary Systems, con el diseñador Greg Johnson a la cabeza, completó un ambicioso programa llamado Starflight. Un mundo enorme con alrededor de 800 planetas, con una historia de ciencia ficción sin rival en los juegos de ordenador y superlativo en multitud de aspectos. ¡Y en 128K de RAM!

El Antiguo Imperio es historia pasada. Lo que resta de la humanidad ha quedado recluida a una estación espacial en órbita a Arth, el último de los planetas humanos hecho inhabitable por su alta radiación. La mayor parte del espacio es territorio de especies hostiles contra los intrusos, y los pocos recursos de Interstel se emplean en minar elementos valiosos, buscar nuevos planetas habitables y buscar endurium, el cristal que hace posible los viajes a velocidades supralumínicas. Oh, para terminar de arreglarlo los científicos han descubierto que un fenómeno, que se desconoce si es natural o no, está convirtiendo a los sistemas estelares en cenizas. Y se dirige hacia aquí. Alguien tiene que salir ahí fuera a territorios alienígenas y averiguar cómo detenerlo, y naturalmente ese eres tu.

En los años siguientes a su lanzamiento fue colmado en alabanzas por la prensa, y fue considerado una punta de lanza en la ciencia ficción en los ordenadores personales. Estuvo implicado directamente nada menos que el segundo mandamás de la productora, Electronic Arts. (Cómo han cambiado las cosas desde entonces, ¿eh?) Fue descrito como una aventura tipo Rogue (1984, Glenn Wichman) en el espacio, y su éxito le llevó del PC al Amiga, Macintosh, Atari ST e incluso al Commodore 64. Se programó una secuela, Trade Routes of the Cloud Nebula en 1989, y se adaptó para Mega Drive en 1991, cortando algunos  elementos pero mejorando  notablemente los gráficos y el sonido. Los juegos que inspiró no son pocos: la saga StarControl (Toys for bob), los Mass Effect (Bioware)… o el criticadísimo No Man’s Sky (2016, Hello Games).

StarControl fue revivido por Stardock con un reboot en 2018, ¿por qué no Starflight? En ese mismo año hubo un intento de financiación mediante una campaña de micromecenazgo, que lamentablemente no recaudó lo suficiente y no se llegó a tomar el dinero de nadie. Un juego apasionante, que merece ser recordado y jugado, pero con más de 30 años a sus espalda que no ayudan en nada. Se puede hacer funcionar en DosBOX sin problemas, pero ya hay que tener estómago y paciencia para un juego así hoy día. Porfa, tito Greg, no quiero quedarme sin este…

Chrono Trigger

Siempre que me preguntan «¿cuál es el mejor Final Fantasy?» mi sheldoniana respuesta es: Chrono Trigger, lanzado por Squaresoft cuando se alinearon los planetas en 1995. Nada menos que un equipo conjunto de los mejores de Squaresoft y los mejores de Enix, las dos empresas de RPGs japoneses más valoradas en su época. Algo así como el Barça-Madrid de los juegos de rol nipones, y encima con el dibujate Akira Toriyama como diseñador de personajes. Ni que decir tiene que se convirtió en uno de los RPGs más alabado por los jugadores de toda la historia.

Desde su lanzamiento en la Super Nintendo pasó a PlayStation en 1999 con escenas dibujadas por Bird Studio, los animadores de la saga Dragon Ball. No fue hasta 2008 cuando por fin fue lanzado en Europa, en su versión para Nintendo DS. En 2011 apareció en plataformas móviles y en 2018 en Steam para Windows, en la primera con un DRM lamentable y en la segunda con discutidas «mejoras» gráficas y de control que fueron objeto de críticas feroces por parte de los jugadores. Al menos recibió al fin una traducción al español, que los internautas pudimos disfrutar mucho antes gracias a losparches hechos por aficionados.

Este juego recibió una secuela en 1999, poco después de su lanzamiento en PlayStation, Chrono Cross, para esta misma consola. Además de parecerse a su antecesor como un huevo a una castaña (ni en producción, ni en personajes, ni escenarios ni nada) aún está por darse el caso de que un pobre diablo entienda su argumento. La prensa lo considera una de las grandes obras de la primera consola de Sony, pero este humilde chulón desde la admiración considera que no es una verdadera segunda parte.

Los japoneses son muy suyos a la hora de reeditar juegos. Lo mismo sacan 3 remasterizaciones distintas de un Resident Evil que dejan en un cajón a una verdadera joya aclamada de forma casi unánime. Además les pareció buena idea amenazar con demandar a los integrantes de un proyecto amateur llamado Chrono Resurrection que tenía bastante buen aspecto. Por mi parte espero que el dinero que los abogados ganasen se lo tuvieran que gastar en medicinas.

M.A.X. – Mechanized Assault and Exploration

Un juego que fue relativamente poco conocido, producido por Interplay en 1996. Teniendo que vivir a la sombra de los grandes Command & Conquer (1995, Westwood Studios) o Warcraft II (1995, Blizzard) era una locura programar un juego de estrategia. No obstante, M.A.X. hizo gala de la originalidad y frescura de la productora de Brian Fargo con un producto que mezclaba la estrategia en tiempo real con un juego de estrategia por turnos.

En cada turno los jugadores hacen los movimientos que consideren oportunos, gastan los recursos que quieran en mejorar o construir, atacan y se defienden y todo lo demás. La novedad radica en que todo esto ocurre a la vez, y no es hasta que se acaba el tiempo del turno que se recargan los puntos de movimiento de las unidades, se minan nuevos recursos o se completan construcciones y proyectos. Parece sencillo pero necesitaremos una precisión milimétrica para medir cada detalle de las características de nuestras unidades y estructuras: alcance, capacidad de sigilo y detección, cantidad de movimiento por turno, etc.

Además de todos sus puntos fuertes, el resultado final adolece también de todos las taras de la época. No requiere de una gran máquina, puesto que estaba diseñado para un 486DX2, pero esto también significa que sólo funciona en MS-DOS. Fuera de puntos técnicos el manejo de los menús y del campo de juego es tosco, la resolución baja para hoy día y la inteligencia artificial totalmente descompensada. A pesar de tener un potencial enorme a la hora de la verdad se desinfla porque las tácticas están muy descompensadas y la campaña para un jugador es prácticamente inexistente. Siempre se pueden jugar dos o más jugadores humanos, pero hacerlo en un sólo PC quita casi toda la gracia del sistema mixto tiempo real/por turnos.

En 1998 apareció su secuela con más pena que gloria. M.A.X. 2 intentó modernizarse incorporando mejores gráficos y animaciones, pero perdió el interesante sistema de recursos y turnos del primero, y su uso de las 3D fue… poco notable. Los escenarios y las unidades están acartonados, y se convirtió en un fantasma ante otros lanzamientos mucho más pulidos. ¿Quién iba a fijarse en él estando ese mismo año Starcraft (Blizzard)?

El juego puede comprarse hoy día, pero no es más que el mismo de siempre corriendo en el emulador DosBOX. Ciertamente, un reinicio hoy día supondría una incertidumbre considerable, dado que no es un juego muchos seguidores y hoy tendría contendientes muy serios en el terreno de la estrategia por turnos. No obstante su sistema híbrido, combinado con una buena interfaz y unos gráficos actuales serían sumamente interesantes. Combinado con las ideas de juegos como Supreme Commander (2007, Gas Powered Games) podríamos tener algo que combinase el clásico con las mejoras de hoy día.

Metal Mutant

Para ser franco nunca fue un juego sobresaliente. Fue creado por los franceses Silmaris en 1991 y no tuvo realmente una distribución fuerte fuera de Europa. Fue lanzado para Atari ST, Amiga y MS-DOS, las plataformas de 16 bit fuertes en esa época. No obstante el denominador común parece ser la versión PC: sus sprites, scroll, movimientos, gráficos y jugabilidad parecen haber sido llevadas al resto de las plataformas que, a menudo, contaban con un hardware que quedaba desaprovechado. (aunque en Amiga contaba con un apartado sonoro destacable)

Un juego de movimientos toscos, con una jugabilidad regulera y que, al estar programado para el 8088/8086 no aprovechaba las máquinas de la época. ¿Qué puede tener de bueno esta escabechina tecnológica? Su encanto reside en otros aspectos: primero una ambientación y narración que nos hace parecer metidos en un cómic. Su desarrollo, aunque a trompicones, es variado y distinto a los arcades jump-and-run que inundaban las recreativas de la época. Cada pantalla era un pequeño reto que requería de nuestra astucia para superarla. Al ser para ordenadores personales permitía guardar la partida, eliminando gran parte del incordio de los juegos antiguos de tener que volver al principio si nos eliminaban. El personaje principal es original y sus gráficos muy interesantes, y nuestros enemigos (robóticos o biológicos)

Desde luego no se puede comparar con la obra de Eric Chahi, Another World, lanzada ese mismo año. Pero también es cierto que la acción, el diseño de enemigos y personajes o el encanto del cómic francés son puntos en los que supera a su competidor coetáneo. Encima, además de en francés, alemán e inglés salió traducido al castellano, cosa que me encantaba ya que en 1991 yo no tenía ni papa de inglés. Vale la pena señalar esto porque la narración (en texto, naturalmente) es gran parte del encanto y de la inmersión del juego.

La premisa del desarrollo es simple. El mutante metálico, enviado a un planeta selvático para acabar con su tirano, hace honor a su nombre pudiendo metamorfosearse en un androide bípedo, en un dino robótico o en un tanque erguido con orugas. Cada uno tiene sus propias habilidades y puntos fuertes para enfrentarse a obstáculos y enemigos, que irán ampliándose a medida que encontremos los cartuchos Kyo o terminales de los que descargar programas.

Quizá su aspecto jugable se encuentre desactualizado, pero en su época pocos juegos combinaron tan bien la aventura y el arcade. Si se rehiciese hoy día sin las limitaciones de entonces podríamos tener un juego cinemático y original. Eso sí, en 2D, por favor.

Dungeon Keeper

Sobran las presentaciones para este clásico de Bullfrog de 1997. Como guardián de la mazmorra deberemos resistir el asalto de los héroes, así como de otros guardianes enemigos construyendo una guarida para criaturas malignas que lucharán a nuestro lado… por un precio, claro está.

El juego aúna todas las virtudes de las producciones de Peter Molineux en sus mejores años: un carisma incuestionable, gráficos interesantes, una jugabilidad por las nubes y un componente estratégico original y divertidísimo. Su campaña para un jugador es excelente, su modo para varios jugadores es tremendamente divertido y tiene características geniales incluso hoy día, como poder controlar las criaturas en primera persona para combatir como uno más. Encima contaba con un doblaje en español de primera.

Este juego se podría jugar aún hoy día. El problema es hacerlo funcionar en un Windows moderno, tanto es así que las versiones a la venta hacen funcionar las versiones de MS-DOS en el entorno DosBOX. Ni que decir tiene que este juego no aprovecha ni las máquinas ni el hardware de hoy día, aunque proyectos como KeeperFX intentan reconstruirlo como pueden. Además, aunque los sprites 2D que acompañan a los escenarios tridimensionales están muy bien hechos, adolecen de problemas como lo hacen otros juegos con tecnología similar: animaciones toscas, pixelacos gordos y sin demasiada variedad de ángulos para ver los moñecos.

En su segunda parte, publicada por 1999 se nota demasiado la mano de Electronic Arts, y el juego es más bien insípido. Aprovecha mejor los recursos de las máquinas y del hardware 3D, pero pierde la mayor parte de la gracia del primero. Introduce nuevos elementos y salas que son divertidos, pero apenas expande la idea original y sus nuevas limitaciones lo hacen inferior. Además, su campaña para un jugador no es ni por asomo tan divertida como lo fue la del primer juego. Una prometedora tercera parte fue cancelada,  y en su lugar salió una nueva entrega para móviles en 2013 que encarna perfectamente el ser maligno que debíamos ser: lleno de microtransacciones usuararias, de estúpidas limitaciones periódicas y recompensas diarias (ya no puedes colocar más baldosas hoy, recibe 20 monedas por conectarte diariamente, etc.), convirtiendo la leyenda de Molyneux en un puñetero Candy «Denuncia» Crush.

Lemmings 2: The Tribes

Parece mentira que los creadores de sagas como Grand Theft Auto o Red Dead Redemption tuvieran comienzos como este. Desde que Lemmings apareció en 1991 publicado por Psygnosis se convirtió en un clásico instantáneo, del que salieron multitud de versiones y se han ido haciendo reediciones cada cierto tiempo. La versión de Windows, en particular, funciona bastante bien, tiene gráficos mejorados e incluye niveles a cascoporro. (aunque no incluye los niveles especiales o la música de la versión de Amiga, una pena)

Su segunda parte fue totalmente ensombrecida por la primera. Si bien es verdad que Lemmings es uno de los juegos más divertidos, equilibrados, desafiantes e impolutos que jamás se hayan programado, su segunda parte es más variada e introduce muchos conceptos nuevos que amplían la primera parte. Es posible que no sea mejor juego, pero sin duda le hace justicia y debería ser imprescindible para todos los fans de la saga. Sus numerosas habilidades, interacciones con el escenario (nuevos y enormes) o los elementos accionados directamente con el ratón construyen nuevos e interesantes retos que no tienen una única forma de resolverse.

Las diferentes versiones existentes son difíciles de hacer funcionar, y no hay ninguna distribuidora que se haya interesado en venderlo hoy día, ni siquiera bajo DosBOX. Su primera parte no es fácil tampoco, pero al menos ha habido multitud de ediciones para Windows y consolas y ha sido recordado y jugado después de muchos años. Una nueva versión sería relativamente sencilla de producir, es inexplicable que nadie se haya atrevido, visto los ñordos que pululan por el panorama lúdico.

Street Fighter III

En 1991 salió Street Fighter II: The World Champion, y los juegos de lucha cambiaron para siempre. Es prácticamente unánime que Capcom hizo la referencia del género y marcó el camino a seguir por la totalidad de juegos posteriores en el noble arte de darse de hostias.

Hay tantas variaciones de este juego, crossovers y secuelas que es imposible terminar. Sin embargo su secuela directa, que apareció en 1997 aún hoy es considerada como uno de los juegos de lucha más pulidos de todos los tiempos, que realmente hace suya la máxima de ser sencillo de jugar pero que requiere de muchísima dedicación para convertirse en un maestro. En sus tres ediciones, The New Generation, Giant Impact y Third Strike fue añadiendo personajes y puliendo aspectos, creando en 1999 en su tercera edición un programa que ni le faltaba ni le sobraba nada.

Las ediciones domésticas, si bien hacían justicia a la máquina recreativa, a menudo sufrían recortes en sus animaciones al no disponer de memoria suficiente. En sus últimas encarnaciones en recopilatorios de la saga simplemente se limitaron a ponerlo tal cual. Tras más de 20 años su jugabilidad sigue intacta, pero sus gráficos (pese a que las animaciones son increíbles) de baja resolución no lucen como deberían. Ya no es que no se hayan molestado en mejorar sus opciones o añadir personajes, es que se ríen de nosotros al llamarlo «remaster» y simplemente escalar los gráficos con un algoritmo.

En definitiva, un juego al que secuelas posteriores no hacen justicia y que ha sido relegado pese a ser el cénit de los juegos de lucha. ¿No merece una oportunidad como la tuvo Street Fighter II HD Remix en 2008?

Ultima

Para el final, como siempre, mi superfavorito. La cosa va de videojuegos de rol, que existen prácticamente desde que lo hacen los de lápiz y papel, siendo el primero en ser desvelado dnd, en 1974, en la red de computadoras universitarias PLATO. No obstante fue en 1979 cuando se lanzó el que sería probablemente el primero en hacerlo de forma comercial para un sistema doméstico: Akalabeth, a la postre considerado el Ultima 0. Antes incluso que el veterano Wizardry (1980, Sir-Tech) apareció también el Ultima I ese mismo año, iniciando la «saga de la oscuridad».

Desde entonces han aparecido 9 juegos en su saga principal (con una séptima parte dividida en dos juegos y algunos con ampliaciones), dos en primera persona en la saga Ultima Underworld, dos spinoffs de la saga Worlds of Ultima, una versión MMORPG (probablemente la primera de éxito) llamada Ultima Online en 1997 y algunas versiones exclusivas de menor calado. El mundo desarrollado por Richard Garriot es enorme, con una riqueza cultural que rivaliza incluso con los escenarios de campaña a de Dragones y Mazmorras.

Los juegos de esta saga son profundos, con montones de personajes, misiones y diálogos, y abarcan casi 20 años, hasta el Ultima IX: Ascension. Especialmente recordado es su séptimo capítulo, La Puerta Negra (1992), traducida y doblada al idioma de Cervantes y exclusiva de MS-DOS. Exclusivísima, de hecho, porque costaba horrores hacerla funcionar debido a sus complicados sistemas de gestión de memoria. Hoy en día es más sencillo usar eXult, aunque está inacabado y tiene tantos bugs que lo convierten en una lotería. Otras entregas como Martian Dreams (1991) introducen un mundo nuevo situado en 1893, en el que se construye un cañón para viajar a Marte. En su inauguración es saboteado y se dispara con invitados famosos a bordo, como Sigmund Freud, Marie Curie, Nikola Tesla y el propio Avatar, el protagonista de la saga. Allí descubre los restos de una antigua civilización, y tendrá que hallar la manera de usar su tecnología para volver a la Tierra…

Estos son sólo algunos ejemplos de las grandes aventuras que se pudieron jugar en los 80 y los 90. Muchos están disponibles aún mediante emulación, pero muy pocos van a tener la entereza para hacerlo hoy día. No digo que deban remasterizarse todos pero, ¿no tiene Electronic Arts corazón para hacer un homenaje a esta saga siquiera? ¿Ni siquiera para hacer un remake del Ultima VII? Parece que se conforma con seguir explotando el Ultima Online.

Otros tantos

¿Cuántos juegos antiguos que fueron todo un hito en su época podrían relanzarse hoy día si mejorase su aspecto o su control? Innumerables, diría yo. Sin ir más lejos una demo de Sonic 2 HD realizada por fans demostró que hay mucho interés por revivir juegos antiguos, pero parece que nos quieren colar como «remaster» un juego que no tiene ni 5 años como excusa para venderlo de nuevo en la última consola.

Así al azar se me vienen a la mente shoot’em ups como R·Type (1986, Irem), Thunder Force IV (1992, Technosoft), Radiant Silvergun (1998, Treasure), Xenon II (1989, Bitmap Brothers) y tantos otros. De algunas como R·Type tenemos cada tanto una edición en el móvil, o algún tímido juego basado en la saga, pero la actual tendencia es la de hacer juegos más difíciles que tirar un penalti con un globo. Algunos de ellos muy buenos, claro.

En el campo de los salta-y-corre podríamos poner casi cualquiera. Desde luego Metal Slug (1996, Nazca) podría, pero incluso hoy tiene tan buen aspecto y jugabilidad que no veo la necesidad. Sí que daría palmas con las orejas con una reedición de Turrican I y II (1990 y 1991, Rainbow Arts), aunque la segunda tuvo una edición con gráficos mejorados para MS-DOS en 1995. Un lanzamiento con la tecnología sería épico, no sólo por las posibles mejoras audiovisuales sino a su control, que dicho amablemente era mejorable. Puestos a pedir, Gunstar Heroes (1993, Treasure) es otro clásico maltratado que bien podría pasar por el taller.

De juegos de estrategia hemos sido bendecidos con nuevos SimCity, un Theme Hospital, muchos Command & Conquer (me quedo con OpenRA) o el mejorado OpenTTD, versión del Transport Tycoon (1994, Chris Sawyer). Sin embargo parecen haberse olvidado del Theme Park (Bullfrog, 1994), del que hoy sólo es posible encontrar una triste versión emulada con DosBOX. Juegos como Rollercoaster Tycoon 2 (2002, Chris Sawyer) son aún mejores, pero se echa de menos el encanto de los programas de Molyneux. Incluso antes que todos esos, en lo personal, me encantaría ver otro SimAnt (1993, Maxis), del que soy fan declarado, como aficionado a la mirmecología.

En los deportes hay poco que rascar: en fútbol vamos más que servidos con más de un FIFA y un PRO Evolution anual, y siguen saliendo NBA Jam como churros y otros juegos similares. Hay otros juegos más arcade que, no obstante, quedaron olvidados: de forma inmediata me acuerdo de Street Hoop (1994, Data East), que es increíblemente divertido a dobles, o Neo Turf Masters (1996, Nazca), que hizo divertido en los arcades algo tan pijo y pausado como el golf. Ambos para Neo-Geo, que casualmente no tenía como fuerte los juegos deportivos. En el caso de este último su aspecto y jugabilidad son excelentes, pero se echa en falta variedad, algo que podría haberse corregido en su edición de Nintendo Switch de 2018 pero… no.

En las aventuras estamos más que cubiertos. Algunos remakes chusquerillos como el de Monkey Island nunca me han satisfecho, otros como el del Día del Tentáculo fueron acertadísimos. El primer Leisure Suit Larry (1987, Sierra Online) tuvo remakes en 1991 y 2013, a cada cual mejor. Otros no tuvieron tanta suerte: Sam ‘n’ Max (1993, Lucasarts) vieron secuelas mediocres, aunque no importa tanto ya que el juego original es tan bueno que se puede jugar sin problemas hoy día. De hecho prácticamente todas las aventuras gráficas relevantes pueden jugarse sin problemas hasta en el frigorífico gracias al intérprete ScummVM, incluidos los anteriores y muchos más. Aunque si es por pedir, no me molestaría jugar a una reedición del Goblins 3 (1993, Cocktail Vision)

Del género horror y supervivencia hay mucho que rescatar. Desde Alone in the Dark (1991, Infogrames) a Parasite Eve (1998, Squaresoft), ambos por razones parecidas: pertenecen a sistemas obsoletos (MS-DOS y PlayStation respectivamente) y su desarrollo, resolución, controles y un desarrollo irregular: se te olvida cierto objeto en alguna parte y la cagaste, Burt Lancaster. Con otros como la saga Resident Evil tendremos el problema contrario: remakes de refritos de reediciones de…

Creo que es momento de parar. Hay tantos juegos y géneros que esto se alarga como una guardia. Otro día sería para largar fiesta sobre los remakes innecesarios, pero eso ya lo he hecho y sería repetirse más de lo usual. Eso sí, seguro que me he dejado alguno que del que merecería la pena ver un nuevo lanzamiento. Pero no, ninguno es sobre ningún tío rarito de verde ni de fontaneros de mentira.

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MicroProse (posteriormente, el bueno de Sid Meier fundó Firaxis) y Maxis tenían un carácter fundamentalmente opuesto: los primeros ofrecían productos reflexivos, largos, lentos y profundos; mientras que la compañía de Will Wright diseñaba juegos con humor y cierta fantasía. Me emociona imaginar qué podría salir de una empresa conjunta.

Este fue en 2002 Sid Meier’s SimGolf, producido por Electronic Arts en plena época de fagocitación de empresas míticas. El resultado es una sorprendente mezcla de gestión empresarial con el deporte del taco y pureta por excelencia. De nuevo sorprendentemente, a pesar de llevar el nombre del creador de la saga Civilization, se trata de un juego sin excesiva profundidad, suficientemente sencillo para ser disfrutado por todos y con los toques simpáticos de los Sims. Todo en una interfaz muy visual, sencillo de jugar y con una parte deportiva al estilo de los juegos de rol. (tú apunta que yo disparo)

El jugador ha heredado una suma de dinero con la que comprar un terruño y hacer su sueño realidad: diseñar y construir un campo de golf digno de la SGA (Sim Golf Association) y ganar el premio del millón de dólares, todo ello mientras hace malabares para que la palestra de señoritos adinerados se dejen los jurdeles en los 18 dichosos hoyos. La forma de hacerlo es sencilla: decidimos la distancia con el tee y el green, añadimos la calle y decidimos la dificultad con la inclinación y los diversos obstáculos de los que disponemos. Todo ello mientras gestionamos las instalaciones del club para amenizar a nuestros jugadores, así como nuestra plantilla de jardineros y vendedores de «refrescos» que pateará los caminos.

La tecnología empleada no es un portento, ni siquiera para tener más de 15 años en el momento de escribir estas líneas. Sus gráficos en 2D son agradables, y la música es muy apropiada para el juego; pero hay muy pocos ajustes y ni siquiera se puede cambiar la resolución de 800×600 píxeles. Apenas se puede variar la dificultad de su jugabilidad, de la cual no se dice absolutamente nada durante el desarrollo, por lo que desconozco completamente su función. Tampoco se puede ampliar nada, ni tiene opciones para dos jugadores, su interfaz a veces es un incordio (de repente te toca golpear la bola, estás haciendo click para añadir un green y tiras la bola a tomar viento). Sería aceptable para videojuego de principios de los 90, pero en un producto de este siglo desmerece el resto de la jugabilidad de forma absurda.

Es cierto que el juego tiene puntos técnicos negativos, pero su divertidísima jugabilidad hace olvidar (parcialmente) estos aspectos. No sólo es ameno ir construyendo los hoyos imaginación mediante, además es muy gratificante ver a los vejestorios adinerados ponerse de todos los colores tratando de llevar la dichosa pelotita al hoyo. Eso y verlos soltar billetajos verdes al terminar, de cuya cuantía depende lo divertido que sea su periplo. Además podemos verles conversar, tener «historias» como «mi pez está malito» o «he visto un ovni» (literal). Tendremos que gestionar también que no se mueran de sed, que tengan disponibles sus carritos eléctricos o que hagan el holgazán y jueguen de forma fluída.

Un aspecto que también ameniza mucho el percal es el sonido. Para ser un juego que cabe en un CD tiene variedad de efectos de sonido, con multitud de detalles (como tocar una nota de una melodía clásica en cada click al emplazar el fairway) o de efectos tipo Hanna Barbera. Los efectos musicales, sin ser unos temazos memorables, dan color a la ambientación y contribuyen al ambiente típico de la gente del taco en los 90. De hecho, parte de su encanto, deriva de la imageniería llena de churretes de esta subcultura, presente también en las caricaturas tipo Sims y en la cultura de los famosos, los cuales poblarán nuestro campo de golf cuando proporcionemos parcelas para hacer sus casitas.

El apartado deportivo del juego complementa a la perfección la parte de gestión, y es todo lo accesoria que el jugador prefiera. El objetivo vital del personaje es ganar su torneo, por supuesto; pero bien podemos ignorarlo completamente y ser un magnate podrido de dinero. Si optamos por jugarla tampoco hay prisas, y no necesita prácticamente ninguna destreza. En realidad se parece más a un sencillo de juego de rol: el personaje tiene una serie de estadísticas (dive, hierros, gancho, etc.) y debemos indicarle los golpes a realizar. Dependiendo de nuestras habilidades el tiro tendrá más o menos éxito, y a la larga podremos mejorar las habilidades del personaje con miras a ganar el torneo. Bueno, o a que nos den una paliza gitana.

La acogida de este lanzamiento fue más fría que el abrazo de una suegra. No tuvo una publicidad grande, y el personal estaba más ocupado alabado y criticando (al mismo tiempo) a los Sims, o pegando tiros en algún Grand Theft Auto. En todo caso, la crítica otorgó puntuaciones mayormente positivas al juego… y la crítica de jugadores fue mayormente inexistente. Como nota curiosa, existió otro lanzamiento titulado SimGolf programado por Maxis en 1996 que recibió aún menos atención. ¿Se trata de un segundo intento? A saber.

Jugar hoy en día a Sid Meier’s SimGolf sigue siendo una experiencia divertida.  Los gráficos no están demasiado desactualizados, y lo único que echa para atrás son sus carencias técnicas o su interfaz anticuada, lo cual puede ignorarse sin demasiado esfuerzo gracias a lo divertido que es su desarrollo. Bueno, a no ser que tengas Windows 10: por culpa del maldito DRM, que explotaba una vulnerabilidad del sistema (corregida en Windows 10), no es posible jugarlo «legalmente» en este sistema operativo. (Pista: funcionará si se actualiza a la versión 1.02 y se usa un crack creado por MyTH)

Este es otro de los juegos a los que añadir a mi lista de «merecen un remake y no lo tendrán». Es una lástima que haya pasado sin pena de gloria por el mundo de los videojuegos, dado que por ello Electronic Arts jamás se arriesgaría a hacer un juego similar. En el golf recientemente tenemos Golf Story (Sidebar Games, 2017) en Nintendo Switch, y en gestión tuvimos un juegazo llamado Theme Hospital (Bullfrog, 1997). No es gran cosa después de tantos años, pero es imprescindible para los amantes del género.

Por último, agradecer a mis amigos golfistas el acompañarme en esta reseña de este clásico:

• El palo tieso
• El hierro sátiro
• La bolita inquieta
• La enana vendedora
• Don Birdie y don Eagle
• El caddie morsegón
• Y por último, don  Me-cago-en-los-muertos-del-búnker.

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No ha sido jugar en el betis, por desgracia, dado que mi habilidad con el balón es la misma que la de Paquirrín con el violín: no sé ni qué hacer con él. Sí que he podido, sin embargo, agenciarme una NeoGeo MVS, la placa para recreativas de SNK. Conocidísima entre cualquiera que haya sido joven en los 90, por la altísima calidad de sus juegos y por haber sido la base para la consola NeoGeo AES, con el que compartía hardware y juegos.

Bueno, lo de tener una recreativa es aproximado, dado que mi piso tiene el tamaño de un cuarto de las escobas promedio. En su lugar me he agenciado un invento para poder usar estas placas en un tele normal, así como los cables y cacharros necesarios para poder jugarla. Estos aparatos son conocidos genéricamente como Supergun, y voy a explicar cómo usar uno.

Para empezar, las placas de arcade no tienen un cable para enchufarlas al televisor de tu vieja, ni siquiera para enchufarle electricidad. ¿Cómo demonios funcionan? La mayoría a partir de mediados de los ’80 usan el conector JAMMA (Japanese Amusement Machine and Marketing Association), en el que se suministra energía y controles y tiene como salida vídeo analógico en formato RGBS. La mayoría de las televisiones europeas desde finales de los 80 admite esta señal de una forma u otra, sea vía euroconector o por un puerto VGA si es moderna, pero la alimentación es un poco complicada porque es necesario 12V por un sitio, 5V por otro y a veces -5V.

En una recreativa de verdad  es necesario un monitor multifrecuencia, una fuente de alimentación que de todos estos voltajes y un montón de cables y conmutadores para controles y monederos. Con un mueble al efecto, por supuesto, y si está todo pelado, lleno de mugre y pelusas mejor. Ni que decir tiene que como toques donde no debes (en concreto en el monitor) te puede dar un calambrazo que vestirá a tu familia de negro, así que mejor déjaselo a un profesional.

Aquí es donde entra en juego la placa Supergun. En lugar de tener una plétora de cables pelados y llenos de cochambre podemos usar elementos mucho más comunes: un televisor, un mando de consola y una fuente de alimentación ATX, que son las que llevan los PCs. Además proporciona un botón para «echar dinero» y otras muchas características útiles. Algunos modelos se adaptan a extensiones del estándar, como el de NeoGeo (que tiene un par de botones más y sonido estéreo) o CPS2 de Capcom (que tiene un chorro de botones y sonido estéreo también).

Este Supergun concretamente tiene algunas características interesantes. Primero, es capaz de generar aproximadamente un watio de -5V, necesario para algunas placas antiguas (aparentemente la NeoGeo no lo necesita).  También permite regular la sincronía de vídeo, así como los canales rojo, verde y azul individualmente. Tiene incorporado un voltímetro, para saber de antemano que la fuente de alimentación está dando valores correctos. Se supone que tiene auto-disparo, pero o bien no funciona o soy un melón y no se ponerlo. Para los controles tiene dos puertos DB15 macho para los controles y un DB9 hembra para los botones extra, también conocido como «kick harness».

Lo bueno es que, por medio de un adaptador, podemos usar un mando de 6 botones de Mega Drive, o de otras consolas más comunes ya que los mandos de NeoGeo son caros de cojones. También tiene conector de audio estéreo por jack y RCA, de modo que podemos conectar unos altavoces si queremos.

Muchos de los modelos de las placas de NeoGeo MVS permiten conectar mandos de NeoGeo directamente. Parecen conectores DB15 estándar, pero lamentablemente el conector es más profundo y no sirve uno estándar. Otros modelos de SuperGun admiten directamente mandos de Mega Drive, pero ojo porque sólo suelen soportar dos botones por jugador, tres como mucho.

Este modelo de Supergun, así como el adaptador de mandos, se puede encontrar en eBay, por ejemplo. Haciendo la búsqueda adecuada se pueden encontrar otros muchos modelos y cacharros. Algunos vienen sin montar, otros traen caja… hay modelos para todos los gustos. Como siempre que se compra en eBay fíjate bien en la reputación del vendedor, y lee bien las características del anuncio. El precio suele estar entre los 40 euros para modelos más básicos a 70 para los más completos. También sale alguno de vez en cuando con caja desde 100 euros, o incluso con mandos y fuente de alimentación a precio de alfombra persa.

Otra posibilidad es, por supuesto, construiros vosotros mismos un Supergun. Normalmente no vale la pena porque es un trabajazo, pero quien quiera hacerlo por hobby tiene a su disposición conectores a buen precio también en eBay. Ninguna de las señales va multiplexada, por lo que no hace falta codificar nada. Los controles se registran (es decir, se envía la información de que se pulsa) cuando el pin preciso conecta con tierra, y dejan de hacerlo cuando están en alta impedancia, y la señal RGBS puede ir directamente a un monitor o televisor, sea por conectores BNC, RCA o por euroconector. Algunos modelos tienen salida VGA a 31Khz, y se ven genial en un monitor analógico de ordenador.

Algunas placas, en especial algunas de Konami antiguas y muchas de principios de los 80, necesitan adaptar la conexión porque no siguen el estándar JAMMA. Esto añade una capa más a la instalación, pero para los juegos que no sean antediluvianos no suele ser necesario.

Un consejillo más: en mi tinglado uso un múltiple de euroconector. No lo recomiendo a no ser que no haya más remedio (porque los cables no lleguen, por ejemplo) dado que añadirán ruido a la imagen. Con este conector normalmente no obtendremos sonido estéreo ya que el estándar JAMMA es mono, pero algunas placas (como mismamente la NeoGeo) usan el conector de señal de sonido negativa para un segundo canal de audio, algo que debe gestionar el Supergun. Si no, la placa tendrá algún conector de audio directo.

Los juegos de NeoGeo existen en dos formatos: MVS y AES. Los de MVS son los de recreativa, algo más grandes y los de AES sirven para la versión doméstica y tienen bloqueo regional. No tienen el mismo conector, y es necesario un adaptador para usarlos en un sistema para el que no estuvieran diseñados, pero técnicamente son el mismo cacharro y contienen los mismos datos. Bueno, es hora de probarlo todo.

Una vez conectado todo ya podemos jugar. Este modelo de Supergun tiene más luces que Las Vegas (las de Nevada, no las de Sevilla), indicando que el hay voltaje en las líneas de 12V y 5V. Acuérdate de darle al botón de monedas, dado que esto no suele ser posible desde los mandos. De ser así sería un ruinazo para el dueño de los recreativos, ¿verdad?

Ya sólo queda disfrutar nuestros juegos. Una ventaja de la NeoGeo MVS frente al modelo doméstico es que, aunque en origen era más cara, dado que se vendió más es más fácil y barato de conseguir hoy día. Hay que armar un follón para poder usarla, pero con él podemos usar casi cualquier placa de arcade que queramos. Podemos conseguir una placa base de NeoGeo por unos 40 o 50 pelotes,  y los juegos van desde los 30 para los más comunes hasta cientos de euros para los más difíciles de conseguir.

Espero que este artículo, describiendo mi experiencia, pueda resultar de ayuda a alguien. En todo caso cabe avisar que no tengo ninguna relación con los vendedores de eBay, y no puedo responsabilizarme de nada que compres o hagas, aunque sí es cierto que algunos enlaces son patrocinados. Es decir, me dan una miseria si alguien compra algo. Si vas a intentar algo de lo aquí descrito ten un poco de sentido común: no toques con tus sucias manos los conectores, no juegues con la electricidad y ten cuidado de no hacer un cortocircuito, puedes quedarte sin juego y sin alfombra.

Edit: Al parecer a Ibáñez, dueño de eBay, no le gustan los enlaces, así que los he tenido que quitar.

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Al parecer, este juego de amateur de Mixmania se cataloga como clicker: un género con la jugabilidad más próxima a cero posible, en el que el objetivo es crecer cada vez más. En este caso, serán nuestro grupo de héroes los que acumularán niveles de experiencia y objetos, para conquistar cada vez más grandes. No es un AAA, ni da horas seguidas de entretenimiento, pero no es el objetivo. Lo ideal es ir jugando 5 minutitos de vez en cuando, cada un par de horas. (depende de lo ansiaviva que seas)

La historia del juego es sencilla, como otras tantas veces: el invierno perpetuo se ha instaurado en el reino, y para restaurar el verdor y las temperaturas agradables nuestros héroes deberán conquistar los castillos en los que habita el mal. Para lo cual deberán despejar un montón de mazmorras, hacerse fuerte y quedarse con el tesoro. Muy a lo Dungeons and Dragons todo, con menos argumento si cabe.

El juego comienza como otros tantos, creando un grupo de héroes dándoles un nombre y una clase. Ya está, a partir de entonces esta recién creada hermandad de la justicia partirá ella solita a jugarse el pellejo con monstruos que harían cagarse encima al Capitán América. Digo «ella solita» porque, en realidad, no tenemos control directo sobre los personajes: tan sólo estamos a cargo del presupuesto, de equipar los personajes con los objetos que se encuentren o otorgarles habilidades al subir de nivel. Sencillo, ¿no?

Pues sí, en un juego/pasatiempo realmente sencillo, y aunque no lo parezca es realmente divertido ver a los héroes lanzar hechizos y romperse la cara con los monstruos con los recursos que les hemos gestionado. Que la verdad no son muy variados y no da grandes opciones, pero la sencillez también hace que podamos empezar a jugar en seguida y sin preocuparnos de que vayan a irse al patio de los callaítos a la primera de cambio. De hecho, aunque los monstruos machaquen a los héroes por nuestra pésima gestión, el juego es benévolo y los personajes sólo caen abatidos durante un poco. Luego se recuperan y emprenden la aventura de nuevo.

El objetivo del juego es ir conquistando todos los castillos del juego, limpiando antes las mazmorras. Para ello debemos elegir cuidadosamente las habilidades, qué mejoras aplicar o en qué emplear nuestro dinero. Nada de ello ofrece demasiadas opciones, y de nuevo esto parece un aburrimiento, pero rápidamente se convierte en un vicio. Además de los recursos podemos decidir cuándo lanzar un pergamino, usar una poción o desvalijar un tesoro.

La acción del juego se desarrolla en tiempo real. Cuando dejamos el móvil nuestros héroes continuarán sin nuestra atenta mirada. Cuando volvamos podremos ver cómo les ha ido mientras estábamos fuera, con un máximo de 3 horas. Es un juego en el que hay que tener un poco de paciencia, como en todos los de este género. Pero tampoco mucha: al no haber condición de derrota el juego es una carrera, derrotando todos los castillos lo antes posible. Por supuesto esto es una sugerencia de presentación: puedes tomarte todo el tiempo que quieras para pararte y oler las flores.

Un elemento importante es el valor rejugable. Los mundos son infinitos y aleatorios, así como el diseño de las mazmorras. Esto no justifica demasiado el jugar más de una partida, pero cabe la posibilidad de seguir haciendo crecer nuestro grupo de héroes hasta el infinito. También podemos ganar un «prestigio» comenzando de nuevo una vez hayamos superado todos los castillos, lo que nos otorgará acceso a nuevas clases de personajes y cosas así, lo que da un poco de aliciente.

También podremos ir desbloqueando logros, que nos permitirá ganar puntos de aventura. Estos puntos, que iremos ganando con todas las acciones que realicemos, permiten también comprar mejoras que podemos llevarnos de una partida a otra. Son variadas y jugosas: desde andar más rápido, tener un límite mayor de horas que el juego sigue sin nosotros, más espacio para pergaminos o incluso desbloquear la ranura para un quinto personaje del grupo. Por supuesto nada de esto es necesario, pero son las cosas que hacen adictivo a un juego de móvil, ¿verdad?

En fin, el aspecto jugable es casi nulo. ¿Qué tal el aspecto multimedia? Bueno, para ser un juego hecho por una sóla persona no está nada mal. En realidad tiene truco, porque se trata de gráficos creados por un tercero y puestos a disposición del público, pero no podrían estar mejor aprovechados. De nuevo, en su simpleza está la virtud, porque los personajes se mueven menos que el codo de un Playmobil, y ahí está parte de la gracia. El juego también tiene sonidos, que son meramente testimoniales, y música que para ser sinceros ni me he molestado en oír.

A todo esto, es un juego de móvil, ¿no tiene compras ni DLCs ni anuncios irritantes en todas partes? Bueno, sólo tiene vídeos de anuncio de unos 25 segundos si elegimos verlos, y a cambio tendremos recompensas moderadas que puede ser mayor duración de pociones o que nos acompañe un monstruo amistoso durante un tiempo. Si estamos enganchados al juego y estamos más pendientes que una mamá helicóptero está bien, pero no es en absoluto necesario para disfrutar el juego o para terminarlo. A nadie le gustan los anuncios en los juegos, pero parece un buen equilibrio entre no interrumpir al jugador y que el creador reciba una pequeña remuneración.

El juego está casi completamente traducido al castellano. Es una traducción hecha por voluntarios… y se nota. No obstante no llega al nivel «traducción de Google», y es soportable, pero está en el mínimo. Está así mismo traducido a un porrón de idiomas, así como a dos o tres tipos de chino distinto (chiste racistorro). No es que haga una falta descomunal, no hay precisamente mucho texto, pero se agradece.

Aunque la versión aquí analizada es la versión para Android originalmente se trata de un juego web, que aún puede jugarse en la web del autor, y también está para los iTeléfono de Manzana . El funcionamiento es fundamentalmente el mismo en la web, pero tiene mucha más gracia jugarlo en el móvil como si de un Tamagotchi se tratase. Como siempre agradezco a los amigos que me han acompañado en este juego, haciendo posible mis aventuras:

• La enana ocultona
• La flechita inquieta
• El zombie sátiro
• El nivel huidizo
• La estadística loca
• Don Uy y don Ay
• La domótica hechizada
• Y por último: la monedita sisada

El juego está técnicamente acabado desde 2015, ya que no recibe actualizaciones desde entonces. Por desgracia su autor se ha cansado, ya que tardó todo un año en programarlo y dice estar hasta el gorro de él, y que no esperemos una tercera parte del juego. Es una lástima porque es un juego verdaderamente curioso, aunque se trate más de una pecera que de un juego de rol.

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Sin embargo y poco a poco estos ordenadores barrieron con todo. Durante su apogeo los Macintosh fueron minoritarios, y tanto los Amiga como los ST de Atari  se apagaron y desaparecieron. ¿Qué tal les fue en el aspecto sonoro como para competir con ellos? Fue el momento de las tarjetas de sonido para PC y compatibles.

El primero de los PC era un ordenador modesto. Sus características no eran mejores que las de, por ejemplo, un Commodore 64, pero estaba orientado a los negocios de manera correcta: un teclado y un monitor de mucha calidad, una arquitectura relativamente abierta, un microprocesador decente y amplia documentación sobre su BIOS, que fue replicada por terceros para disgusto del gigante azul. Esto y muchos otros discutidos detalles contribuyeron enormemente a su popularización, pero esto es otra película.

En este artículo voy a tratar de dar una visión sobre cómo evolucionó el sonido en los PCs, cuál fue el hardware detrás de ello y por supuesto de cómo impactó en el mundo de los videojuegos, a través de la edad de oro del PC y su omnipresente MS-DOS. Por ahora no conozco suficiente el mundo de los MSX, por ejemplo, para extenderme a otras plataformas, pero confío que en un futuro me toque la quiniela y tenga tiempo de sobra para hacerlo. Voy a intentar, no obstante, explicar la jerga y los términos empleados para tratar de hacer el texto inteligible. Prometo ser breve.

El pitito, o PC Speaker

Todo lo que tenemos en el estándar PC sobre el sonido es el que acompañó al primer modelo, llamado sencillamente PC Speaker. Se trata de un pequeño altavoz de dos pulgadas y un cuarto montado en el chasis de la máquina. Un elemento que se ha mantenido en las placas base de PC incluso hoy, siendo sustituído por un menos aparatoso buzzer piezoeléctrico.

El funcionamiento de un altavoz de membrana magnética es de sobra conocido: el sonido analógico, transmitido mediante una corriente eléctrica, actúa sobre un electroimán que hace moverse una membrana magnética. Las vibraciones de esta membrana, transmitidas como ondas de presión en el aire, constituyen los sonidos que podemos oír.

El caso de los altavoces piezoeléctricos es algo más interesante: aprovechan la capacidad de ciertos cristales para vibrar en función de la corriente eléctrica que los atraviesa para generar directamente ondas de presión en el aire. Esto permite miniaturizarlos al máximo y hacerlos muy baratos, a costa por supuesto de que la calidad del sonido sea ínfima. En todo caso adecuada para las características del PC Speaker.

Pero ya basta del Mundo de Beakman. Siguiendo con lo que nos ocupa, las características técnicas del sonido del PC Speaker son realmente pobres: tan sólo es capaz de emitir una señal cuadrada de 1 bit con una frecuencia arbitraria. Es decir, sólo pitidos a todo volúmen con la frecuencia que queramos, lo cual nos deja en pelotas frente a prácticamente cualquier otro sistema.

El funcionamiento del PC Speaker es igualmente sencillo. El controlador es un Intel 8253, un temporizador programable que controla la tensión del altavoz. El ordenador simplemente le dice cuándo pitar y cuándo parar, comunicándose con éste a ¹⁰⁵⁄₈₈ MHz. Esta extraña medida se debe a que corresponde con un tercio de la frecuencia de la ráfaga de color de NTSC, y dividido por el mayor número entero de 16 bits corresponde a la frecuencia de las interrupciones por software de MS-DOS. ¡Qué bien! ¿Verdad?

A principios de los 90 comenzó a usarse una técnica que permitía obtener sonido digital, la modulación por anchura de pulsos, o PWM (pulse width modulation). Esta técnica consiste en aprovechar las características físicas de un altavoz mediante pulsos TTL en alta frecuencia. Básicamente las partes físicas de un altavoz poseen inercia, de modo que si un pulso es lo suficientemente corto esta inercia puede amortiguar el movimiento y conseguir estados intermedios. Como todo esto debe hacerse por software hace falta comunicarse muchas veces por segundo con el controlador, de modo que hace falta mucha CPU para hacer algo a derechas. El resultado no era espectacular tampoco se ha calculado (personas más listas que yo, fíjate) que es equivalente a un DAC de 6 bits, con una frecuencia de respuesta de unos 11 KHz.

Con todo, dado que todos los PCs contaban con este dispositivo fue ampliamente soportado a lo largo de toda su historia, y a menudo bien entrados en los 90 existieron juegos que sonaban fundamentalmente con otras tarjetas que daban soporte de una forma u de otra al PC Speaker. El mejor ejemplo de ello fueron los juegos de Digital Illusions CE (ahora DICE) como Pinball Fantasies (1992). Los trackers, populares programas de producción musical amateur, también solían dar soporte, como Impulse Tracker (1995) o Fast Tracker II (1994) entre otros.

Los periféricos de audio en el PC

El sistema operativo por excelencia de estas máquinas es el MS-DOS y sus variantes, y no fue hasta la segunda mitad de los años 90 cuando las tornas empezaron a cambiar. Incluso entonces y hasta al menos el año 97 siguió siendo muy popular para los juegos de PC. Siendo que este sistema no daba soporte a nada que no fuera el PC Speaker, ¿cómo se usaban las tarjetas de audio?

Como se suele decir, con cuidado. Dado que el sistema operativo no daba soporte, cada software que se hiciese debía construirse para manejar cada una de las tarjetas que quisiera hacer funcionar. Además, como cada una empleaba una tecnología de su padre y de su madre, probablemente usaría distintas fuentes. (audio digital PCM, secuencias MIDI, programas para un generador de sonido…)  Por ello no todos los juegos soportaban todo el hardware, dado que no todas eran populares.

Una forma popular de que un programa usara muchas tarjetas de audio distintas era a través de un middleware, y el más común por mucho fue el Miles Sound System, a partir de 1991. A través de estas librerías era posible programar sistemas de audio para juegos que aprovecharan todas las tarjetas de sonido de consumo, y a menudo ayudaba unificando los recursos musicales del juego para que sirvieran a todas ellas. Además solía ser mucho más sencillo configurar los ajustes de hardware mediante los asistentes que se solían incluir. (¿Quién se acuerda de SETSOUND.EXE?)

Configurar una tarjeta de sonido no siempre fue una tarea sencilla. En sistemas operativos como Microsoft Windows todo era manejado por éste, y con el driver adecuado cualquier programa sonaba como es debido. En MS-DOS el programa debía acceder al hardware directamente, y los recursos del sistema no siempre se encontraban en el mismo lugar. ¿En qué puerto debía escribirse? ¿Qué interrupción es la que controla la tarjeta? ¿Tendré un conflicto con el puerto de impresora?

La forma más popular de hacerlo es, por supuesto, mediante programas que podían configurar nuestro hardware, asignándoles recursos libres. Luego podríamos indicar a nuestro juego qué recursos hemos asignado, o podrían averiguarlo ellos mismos mediante variables de entorno. No obstante, y sobre todo al principio, sólo se podía modificar los recursos a la tarjeta manipulando físicamente. Esto se hacía mediante jumpers que cerraba puentes en distintos contactos de la placa, pero a principios de los 80 muchas veces el usuario se veía en la necesidad de coger soldador o cúter para modificar las pistas de la tarjeta. Afortunadamente, no solía ser el caso en los tiempos del PC.

¿Qué tarjetas exactamente fueron las más vendidas o las más usadas en los juegos de PC? ¿Cómo funcionaban? Intentemos ver las más comunes y las más interesantes.

PCjr y Tandy 1000: SN76489

Ya he escrito sobre este chip de audio. Creado por Texas Instruments a principio de los 80, fue usado en multitud de sistemas a lo largo de la década y llegó al PC mediante el PCjr a mediados de 1984, un ordenador (parcialmente) compatible con el PC de IBM. Más orientado al ámbito doméstico incluyó un modo de vídeo mejorado, un teclado chiclet y un sistema de sonido que incluía el SN76489.  Unos meses más tarde surgió el Tandy 1000, un clon del PCjr con compatibilidad parcial que trató de mitigar los problemas tanto del PC original como del PCjr, aunque al mismo tiempo introduciendo nuevas incompatibilidades con ambos.

Este es un hardware con unas capacidades más bien modestas: tres voces de ondas cuadradas y una de ruído blanco, dando lugar a una salida mono. Claro que comparado con el sonido del PC Speaker era una gran mejora. El éxito de este sonido fue limitado, ya que aunque el Tandy 1000 se vendió razonablemente bien ningún otro compatible volvió a incluir este chip, y no se vendió ninguna tarjeta de sonido que lo tuviese.

En ambos casos este chip de sonido se podía programar escribiendo a la dirección C0h, modificando así sus registros. Estro contribuyó aún más a que su éxito fuera limitado, ya que a partir del IBM AT (1984, el tercer modelo de PC, después del PC y el XT) esa dirección de memoria estaba reservada para otros menesteres. Además pronto surgirían las tarjetas de audio propiamente dichas, pero con todo recibió soporte de algunos juegos interesantes, como King Quest (1984, Sierra On-Line) en el PCjr. Como veremos, los juegos de Roberta Williams fueron siempre punteros en las tecnologías del PC.

A principio de los 90, con la llegada de la línea PS/1 de IBM, se lanzó al mercado una tarjeta de sonido con capacidades sospechosamente similares al PCjr y el Tandy 1000. Fue llamada simplemente PS1-Audio, y tenía también tres voces y generador de ruido, con un sonido idéntico a lo escuchado en los dos ordenadores mencionados anteriormente. Además del sonido particular del SN parecía tener un DAC para sonido digital e incorporaba un puerto de joystick/MIDI. Desconozco la calidad de este audio digital, pero para cuando despegó ya existían alternativas mucho más interesantes.

Este humilde chulón sólo conoce un puñado de juegos que lo soportara, como una edición especial del Silpheed realizada por Sierra en 1990. Otro fue el King Quest 4 por la misma compañía y en el mismo año. Ambos soportaban las tres voces musicales y el DAC para los efectos de sonido.

Roland MPU-401

El que probablemente fue el primer periférico de audio profesional en PC fue el Midi Processing Unit 401, fabricado por Roland a partir de 1984. En realidad no proporcionada capacidades de audio al PC en absoluto, «sólo» comunicaciones en el estándar MIDI. Se fabricaron variantes para casi todos los sistemas, como el Commodore 64 o el MSX.

El estándar MIDI (Musical Instrument Digital Interface) establece un protocolo para comunicarse con instrumentos musicales, así como una norma para los conectores. Se creó en 1983 por un comité a propuesta de la empresa japonesa Roland, y permitía a partir de entonces que todos los instrumentos que la siguieran pudieran comunicarse y cooperar entre sí. Un aparato podía servir de secuenciador, otro de sintetizador, un tercero de caja de ritmos y así. El hecho de que un ordenador cumpliera con este estándar permitía usarlo como estación de trabajo, y a menudo se cita  como la razón hizo triunfar al Atari ST en el mundo de la producción profesional musical durante muchos años.

Volviendo al MPU-401 y al PC, existieron varias variantes, cada una con capacidades ligeramente distintas, incluso algunas tenían hardware adicional con sintetizadores MIDI populares. Básicamente consistía en una tarjeta de expansión con un enorme conector al que debíamos enchufar una caja externa con la mayoría del hardware. En ésta podíamos encontrar conectores MIDI IN (entrada), OUT (salida) y THRU (a través de), pudiendo enchufar cualquier instrumento o aparato que compartiera la norma MIDI. También tenía un conector de metrónomo y uno de sincronización de cinta.

Existieron dos modos de funcionamiento para este aparato: normal y UART (conexión de serie). El modo normal (también llamado modo inteligente) proporcionaba ocho pistas MIDI, metrónomo y sincronía para cinta. El modo UART era una conexión midi sin más, y era la que soportaban la mayoría de clones y hardware similar. El modo inteligente cayó en desuso en unos años, ya que era más sencillo implementar sus funciones con el propio PC.

Este hardware por sí solo no servía de gran cosa, ya que sólo servía para controlar otros aparatos. Si teníamos un módulo sintetizador o similar, no obstante, podíamos conseguir un sonido tan bueno como proporcionara nuestro cacharro. El modo UART era ampliamente soportado por los juegos, ya que era relativamente sencillo. Tan sólo escribir en el puerto 330h (300h en algunos casos) las notas y ya se encargaría de recibirlo lo que tuviéramos conectado. Como veremos, existieron algunos artilugios realmente notables que podían usar esta interfaz.

Covox Speech Thing y variantes

En 1986 apareció un aparatito muy sencillo que permitía al PC reproducir audio digital de 8 bit, y era tan fácil de instalar como conectarlo al puerto de impresora.

El funcionamiento de este aparatito era realmente sencillo, siendo una mera escalera de resistencias de valor creciente para las ocho salidas digitales del puerto de impresora. Para obtener un sonido más limpio algunas variantes usaron condensadores electrolíticos. Ni que decir tiene que, aunque no era un hardware caro (80 dólares) casi de inmediato surgieron clones baratísimos, incluso uno podía fabricarse uno con un poco de soldador y maña.

Su mayor virtud era también su mayor defecto. Al ser un dispositivo completamente pasivo todo quedaba bajo el control de la CPU. El sonido de 8 bits que salía podía tener la frecuencia que queramos, aunque la arquitectura de los puertos de impresora hacía difícil llegar a la calidad CD de 44,1 KHz. Además, la técnica requerida para hacerlo funcionar consumía muchísima CPU, ya que este aparato no tenía acceso a memoria ni buffer de ningún tipo. Era necesario escribir valores al puerto de impresora constantemente, y tanto esto como el control de los intervalos debía hacerse «a mano» por nuestro programa.

Una de las variantes más populares fue el Disney Sound Source, lanzado al mercado por la ubicua compañía del ratón Mickey a principios de los 90. Externamente se diferenciaba en que incluía su propio altavoz, alimentado por pilas, pero en sus tripas se hallaba una diferencia fundamental: se incorporó una pequeña memoria intermedia que hacía muchísimo más sencillo programarlo, requiriendo además mucho menos control por parte de la CPU. A cambio de esto, el sonido debía tener una frecuencia de muestreo que no era posible ajustar.

El Covox no tuvo mucha aceptación, aunque de nuevo los juegos de Digital Illusions CE daban un soporte bastante bueno, además de los trackers que hablamos en el apartado del PC-Speaker. Mejor suerte tuvo el Disney Sound Source, que recibió mejor soporte por parte de los creadores de juegos, empezando por las producciones de Roberta Williams. También existió un emulador por software del SN76489, que si disponíamos de una CPU decente dotaba del audio del PCjr (o del Tandy 1000) a algunos juegos. No obstante no tenía muy buena compatibilidad, y no muchos juegos podían usarlo sin más.

AdLib

Todo lo visto anterior se parecía poco a una tarjeta de sonido tal como lo conocemos, pero la canadiense AdLib Inc. lanzó en 1987 una exitosa tarjeta de sonido, la AdLib Music Synthesizer Card, conocida simplemente como AdLib. Con ella, el concepto de tarjeta de sonido para uso doméstico nace como tal.

Esta tarjeta proporcionaba síntesis de audio FM mediante el chip OPL2 de Yamaha, pero nada de sonido digital. Proporcionaba nueve voces, cada una con su envolvente ADSR con varias formas de onda y operadores distintos. La síntesis de audio por modulación de frecuencia es un poco más difícil que un simple generador de sonido programable, ya que intervienen varias ondas cuya frecuencia modula el sonido de la onda principal, que puede tener varias formas: cuadrada, sinusoidal, triangular, diente de sierra y alguna más. Efectivamente: es tan complicado como suena, e idear un sonido chulo es un verdadero infierno.

Y ya metidos en tecnicismos, ADSR parece una sigla super complicada pero no es más que «attack-decay-sustain-release», o «ataque-caída-sostenido-relajación». Son cuatro parámetros que definen el volumen de un instrumento en sus fases fundamentales, también llamado envolvente: el ataque (el inicio de la nota), tanto antes como después de ejecutarse, el volúmen al mantenerla y lo que tarda en desvanecerse. Es abstracto tratar de explicarlo con palabras, con un gráfico se entiende mucho mejor.

La tarjeta tuvo una gran acogida y fue ampliamente soportada en la mayoría de juegos de PC, estableciéndose como el primer gran estándar de sonido para la mayoría de aplicaciones domésticas. Obtuvo soporte durante toda la vida del MS-DOS, incluso algunos juegos de Windows (3.X fundamentalmente) funcionaban con ella. Sin embargo las ventas no acompañaron en los 90, dado que casi todas las tarjetas y clones posteriores disponían del mismo chip de Yamaha y, o bien eran más baratas, o bien añadían más características.

Ciertamente las capacidades de síntesis de audio de esta AdLib, que era poco más que un envoltorio para el OPL2, eran mucho más ricas y más que notables para 1987. Los juegos de PC podían contar con una música parecida a los famosos sintetizadores de Yamaha a un precio muy competitivo, unos 130 dólares. A partir de la popularización de los middleware, no obstante, la calidad de la música para AdLib de los juegos descendió, ya que la mayoría de las veces simplemente se usaba la tarjeta para tocar instrumentos General MIDI con una fuente de sonido dada por el programador de dicho middleware. Dado que no contaba con sonido digital, esta técnica era rápida pero con resultados pobres.

¿Qué era eso de General MIDI? Básicamente es una norma adicional al protocolo MIDI que exige hasta 24 voces simultáneas y 128 instrumentos definidos en el estándar. Surgió a partir de 1991, y desde entonces la mayoría de los sintetizadores de audio y tarjetas de sonido con capacidad MIDI cumplían esta especificación.

En 1992 la empresa comercializó un segundo modelo, la AdLib Gold 1000. En lugar del chip OPL2 contaba con el mejorado OPL3, que permitía más voces simultáneas y más formas de hacer sonidos diferentes, además de incluir un DAC de 12 bit. Por desgracia fue víctima del éxito de su hermana menor, y no vendió una escoba. Recibió soporte de algunos juegos destacados como Dune (Cryo, 1991), pero terminó llevando a la bancarrota al fabricante.

Roland MT-32

Una de mis superfavoritas, y las de muchos aficionados a los videojuegos. El  Roland MT-32 Multi-Timbre Sound Module, conocida simplemente como MT-32, se lanzó al mercado como un sintetizador MIDI asequible para músicos amateur, pero adquirió rápidamente una gran popularidad entre los jugadores de PC. Sólo podía usarse a través de conexiones MIDI, por lo que hacía falta una interfaz MPU-401 o un hardware con dicha funcionalidad.

El principio de operación del MT-32 se llamó LA, linear arithmetic (aritmética lineal).  Combinaba muestras digitales de instrumentos (instrumentos grabados) con síntesis de audio sustractiva, obteniendo voces de gran calidad sin gastar miles de dólares en cartuchos ROM y carísimos muestreadores de sonido. En su memoria se hallaban muchas muestras parciales de instrumentos que, combinadas con sonido sintético, filtros y DSP se generaba su banco de 128 instrumentos y 30 efectos de sonido y de batería. Este aparato no era exclusivo de PC, podía usarse en cualquier sistema que contara con una conexión MIDI, caso del ordenador X68000, de Sharp.

Este aparato no era compatible con el estándar General MIDI, que no apareció hasta cuatro años más tarde, por lo que Roland lo dotó de compatibilidad parcial vendiendo un añadido. No obstante, su uso en juegos se limitó mayormente a su equipamiento base, que costaba unos 700 dólares, precio al que había que añadir la interfaz MIDI, típicamente una MPU-401 que partía de los 550. Como instrumento musical era muy competitivo, pero como solución de audio para juegos era muy caro.

Su precio fue la razón de que, cuando aparecieron sistemas más baratos basados en wavetable (básicamente bancos de muestras digitales de instrumentos) acabó en desuso, no sin antes dejarnos alguna de las bandas sonoras de más calidad del PC. De nuevo, Sierra On-Line fue pionera en su uso, con juegos como King Quest IV en 1988. A principios de los 90 las mejores bandas sonoras estaban compuestas para este aparato: Monkey Island 2 (LucasArts, 1991), Dune II (Westwood Studios, 1992) y muchos otros.

Este sistema de audio carecía de sonido digitalizado, pero la mayoría de los juegos permitían usar en paralelo una tarjeta de sonido que sí tuviera esta capacidad, de modo que un jugador que estuviera en el taco (es decir, con unos bolsillos bien pertrechados) podía disfrutar del sonido digital y de la mejor música al mismo tiempo.

A medida de los años este aparato tomó diferentes formas, como la LAPC-I de 1989. En lugar de un módulo MIDI consistía en una tarjeta de expansión que aunaba las características de una interfaz MPU-401 y del MT-32, que sonaba de forma muy parecida pero era mucho más cómoda.

Otras tantas y variadas

A finales de los 80 existió todo un despliegue de tarjetas de diferentes características, precios y tiempos de vida. He tratado de detallar los más destacados, pero ni que decir tiene que hubo algunos otros que no vendieron un pimiento.

Una de estas tarjetas fue la primera creada por IBM. La única, si no contamos la del PS/1 que era más bien una expansión para ese sistema. Se trata de la IBM Music Feature Card, producida en 1987 con un diseño similar a la LAPC-I: una interfaz MIDI con un sintetizador, esta vez el YM2164 de Yamaha, usado en algunos sintetizadores de la época. Costaba 500 dolarinos, y no era mucho mejor que una AdLib. Fue enfocada al mercado semiprofesional, pero no encajó en ningún sector concreto y fue barrida por la competencia.

Este mismo año, Creative Technology Limited (conocida como Creative Labs en Estados Unidos) comenzó a comercializar su primera tarjeta de sonido: la Creative Music System. Consistía básicamente en dos chips Philips SAA1099, de características similares a los SN76489 pero superiores: estos generadores de sonido programables dotaban a nuestro PC de 12 voces estéreo, pudiendo usar cuatro de ellas como generadores de ruido. La popular cadena RadioShack la vendió como Game Blaster un año más tarde, y aunque su chip de audio estuvo soportado por cierta cantidad de juegos la tarjeta fue ensombrecida rápidamente por las siguientes creaciones de la empresa.

En 1989 una empresa llamada Innovation Computer Corporation desarrolló algo que, sobre el papel, les pareció buena idea. La SSI 2001 era una tarjeta de sonido que incluía el ya consagrado chip SID, del Commodore 64. La demoscene de este ordenador era popular, pero en el PC existían productos mucho mejores y sólo obtuvo soporte de un puñado de juegos. Al menos incluía un puerto de juegos para conectar nuestro joystick.

Finalmente, Sound Blaster

La creación más exitosa de Creative, y con mucho la línea más popular de tarjetas de sonido domésticas de la época, es sin duda Sound Blaster. La práctica totalidad de los juegos incluyó soporte para esta tarjeta, cuya primera versión data de 1989. Las razones de su éxito fueron un lanzamiento en el momento justo, unas características completamente enfocadas a los juegos de ordenador. Además, como la compatibilidad con la AdLib era perfecta, no había razón para no decantarse por la Sound Blaster.

La Sound Blaster, conocida como 1.0 a posteriori, era capaz de reproducir sonido digital mono de 8 bits muestreado (PCM y ADPCM) hasta 22 KHz. Además, podía grabar sonido mono de 8 bits hasta 11 KHz. Era retrocompatible también con la Game Blaster, de modo que podía usar sus chips SAA1099 para hacer sonar música, pero esta característica fue poco usada dado que también era compatible con la AdLib, al disponer también de un OPL2. Esta verdadera todo-en-uno se convirtió en un año en la tarjeta de expansión más vendida para PC. Además de todo, incluía un puerto de juegos y MIDI.

Un año más tarde, para abaratar costes, la tarjeta comenzó a venderse sin los chips SAA1099, aunque conservaba los huecos por si querías añadirlos más tarde. Esta versión fue conocida como 1.5 a posteriori.

En poco apareció la tercera revisión: Sound Blaster 2.0, en 1991.  La calidad del sonido aumentó hasta los 44 KHz, el puerto MIDI era ahora full-duplex (podía transmitir y recibir al mismo tiempo), y ahora el DMA soportaba la extensión «auto-init», lo cual permitía que fuera ahora totalmente compatible con Windows 3.X.

¿Por qué triunfó Sound Blaster en el mercado de tarjetas de sonido para juegos? Una de las razones es el uso de DMA, direct memory access (acceso directo a memoria). En la mayoría de dispositivos de hardware doméstico era necesario usar la CPU de forma síncrona con el dispositivo de audio, mandando la información en el momento preciso, gastando nuestro preciado tiempo de CPU. Gracias al DMA podemos indicar a la tarjeta de audio en qué sitio de la memoria está el sonido que tiene que reproducir, y ella sola se encargará de ir tomándolo cuando lo necesite. Naturalmente bajo la atenta mirada de la CPU, pero que ahora puede limitarse a enviar estas órdenes a la tarjeta de audio.

En el mismo 1991 fue lanzada al mercado un modelo distinto a los anteriores: la Sound Blaster Pro. Se aumentó la frecuencia máxima de muestreo de audio de salida a 44 KHz en mono (22KHz en estéreo), y se añadió un segundo chip OPL2, de modo que teníamos el doble de voces y encima en estéreo. Además esta tarjeta venía con un añadido más que bienvenido: una controladora de CD-ROM de interfaz Matsushita.

No tardó en salir una segunda revisión que sustituyó a la segunda, que cambió la pareja de OPL2 por un OPL3, de características mejoradas. Además, ahora era posible comprar la tarjeta con una controladora de CD-ROM para otros estándares, como Sony o Mitsumi. Esta tarjeta es una de las más clonadas de la época, y algunas tarjetas de sonido semiprofesionales incluían un emulador por software para poder usarlas en los juegos.

¿Cómo es eso de la controladora de CD-ROM de nosequé tipo? Antes de popularizarse el estándar ATAPI en los PCs, existieron diferentes estándares de unidades de CD-ROM. Incluso entonces este estándar convivió con el SCSI, de uso más profesional, por lo que a menudo era necesaria una tarjeta controladora extra si queríamos tener una unidad de CD-ROM. El hecho de que esta controladora estuviera integrada en nuestra tarjeta de sonido era un factor muy importante, pero tenía que ser la adecuada para nuestra unidad de CD-ROM. Cualquiera de estas unidades leía cualquier disco, eso sí.

En junio de 1992 llegó la que, para muchos, fue la tarjeta de sonido definitiva para juegos: Sound Blaster 16. Con todas las características de la Sound Blaster Pro 2.0, pero además su interfaz MIDI era ahora totalmente compatible con el MPU-401 UART.  Era posible adquirir una tarjeta hija para otorgarle capacidades wavetable, pero no fue una característica muy usada, ya que no era tan común en los juegos. Con todo, la característica estrella de este producto era otra: ¡Calidad de CD (44,1 KHz a 16 bit) tanto en reproducción como en grabación! Esto era otro mundo.

Las revisiones de la Sound Blaster 16 no añadieron ni quitaron nada, dada la tremenda popularidad de esta tarjeta de sonido. Tan sólo se rediseñó su factor de forma para incluirla en una placa base o para el mercado OEM, tomando el nombre de ViBRA 16. Nunca fue retrocompatible del todo con la Sound Blaster Pro en cuanto a sonido digital, pero sí en su sintetizador FM. De todas formas casi la totalidad de los programas a partir de 1992 soportaban ambos.

Windows Sound System

Era prácticamente imposible competir con las Sound Blaster, pues se había convertido en un estándar de facto. No había apenas lugar para la innovación, y desarrollar un estándar distinto era un suicidio porque nadie le daría soporte. Microsoft creó en 1992 una especificación con este nombre, de modo que cualquiera pudiera construir una tarjeta de sonido compatible con Windows 3.X y con cualquier programa que usara el estándar.

Existieron varios niveles de esta especificación, y el primero y más usado requería una calidad de sonido de 48KHz a 16 bit, y un OPL3 para síntesis musical. La Sound Blaster Pro cumplía con esta especificación, pero curiosamente no así la Sound Blaster 16. Cualquier tarjeta que se ajustara a la norma WSS, por chusquera que fuera, se podía usar en Windows y además emular una Sound Blaster Pro. Aunque hubo multitud de juegos que dieron soporte a este estándar en MS-DOS hubo algunos desarrolladores importantes, como Apogee, que no lo incluyeron en sus juegos. Tampoco lo soportó id Software, por lo que se quedó sin el imprescindible Doom (1993).

Este estándar quedó completamente obsoleto en 1997 con la introducción del AC97 de Intel, ideado mayormente para Windows. Nunca tuvo soporte para MS-DOS, aunque de todas formas para entonces la práctica totalidad de los desarrolladores se había centrado ya en Windows 95.

Gravis Ultrasound

El caso de la GUS es interesante. Cuando en 1992 todo el mundo compraba la Sound Blaster, esta compañía canadiense comenzó a vender esta tarjeta junto con el Gravis Gamepad, un mando para PC inspirado en el de la Super Nintendo. La razón no es otra que la de ofrecer una tarjeta con un diseño más parecido a las del ámbito profesional y a precio de derribo.

Esta tarjeta no tenía un DAC como el de la Sound Blaster, y tampoco incorporaba ningún chip de síntesis de audio por FM. En su lugar su hardware era un motor de síntesis de audio mediante muestras digitales, muy parecido si no igual que el concepto de wavetable. Tenía una memoria RAM dedicada en la que se cargaban los sonidos e instrumentos, y mediante su mezclador podía reproducir hasta 32 sonidos (hasta 14 en calidad CD). La calidad de reproducción era la misma que la de la Sound Blaster 16, 44 KHz y 16 bit en estéreo. No obstante, para grabación se requería una placa hija.

Diferentes revisiones de esta tarjeta proporcionaron más o menos memoria RAM, casi siempre actualizable mediante módulos SIMM de 30 contactos. Otras añadieron una controladora de CD-ROM o mezcla por hardware y grabación en calidad CD sin necesidad de placa hija. Una de las revisiones, la Gravis Ultrasound ACE, directamente eliminó todo lo accesorio y se comercializó como una tarjeta para usar en paralelo a las Sound Blaster.

Su funcionamiento hizo que el software de Amiga fuera relativamente fácil de traer al PC, ya que el manejo era similar, con la ventaja de la RAM dedicada. Los ya citados trackers y la demoscene también acogieron con entusiasmo las bondades de la GUS, ya que se podía trabajar en tiempo real en una música sin tener que invertir mucho dinero en una CPU potente.

El caso de los juegos fue complicado. Algunos de los lanzamientos más importantes, como Doom (id Software, 1993) dieron soporte nativo desde el primer momento, pero no todos los desarrolladores se subieron al carro. No ayudaba que no tuviera siquiera un chip OPL, y menos que no tuviera una interfaz MIDI de fábrica. Además, como es lógico, ningún juego de antes de otoño de 1992 daba soporte a esta tarjeta. Nada de esto era un problema para la producción musical pero, ¿cómo se exprimió su uso lúdico?

La respuesta estaba en la capacidad de las Gravis Ultrasound de imitar o emular otras tarjetas de sonido. De forma más o menos directa era capaz de emular un dispositivo General MIDI mediante un banco predeterminado de sonidos, así como imitar los instrumentos de un MT-32. Esto ya de por sí le daba soporte musical a la mayoría de los juegos de la época, pero el sonido digital seguía sin resolverse. Aparecieron algunos parches para juegos existentes o los que hubieran sido lanzados sin soporte para Gravis, pero dependíamos de que la revista de turno lo regalara con su CD, o tener acceso a Internet, lo cual era muy poco común antes de 1994. La respuesta llegó (más o menos) con el uso de emuladores.

IWSBOS y MegaEM fueron los dos programas más usados por los jugadores usuarios de Gravis. Estos permitían emular una Sound Blaster 2.0 y una AdLib, aumentando notablemente la cantidad de juegos que podían usarla. Esto no era ni mucho menos una solución completa, y dependía si un juego usaba un modo protegido, si requería memoria EMS, si necesitaba mucha memoria convencional… todo ello además echado a suertes ya que la compatibilidad era una lotería. Sólo la Gravis Ultrasound Extreme, de 1996, dio soporte por hardware a la emulación de Sound Blaster Pro, un poco tarde.

En todo caso, las Gravis Ultrasound proporcionaron un hardware estupendo para músicos amateur, costando no mucho más que una Sound Blaster. Si bien el soporte para juegos fue irregular era una forma de salirse del camino común. Su memoria de a bordo permitía mucha más variedad de sonido que los módulos MIDI, y al poder usarse de dispositivo General MIDI con sonidos cargados por nosotros teníamos una calidad musical en los juegos que la Sound Blaster ni soñaba sin su placa hija Wave Blaster.

Sound Blaster AWE32 y lo que te rondaré, morena

La Sound Blaster 16 era indiscutiblemente la tarjeta de sonido estrella para 1994, pero sus características más allá del sonido estéreo digital estaban más que estancadas. Creative Labs dio el paso con la AWE32, introduciendo muchas mejoras en la capacidad musical como memoria RAM dedicada, un procesador wavetable de 32 voces, un mezclador por hardware con  ecualizador integrado y un procesador de efectos digitales. El precio, eso sí, estaba acorde con todo lo ofrecido.

Ni que decir tiene que era perfectamente compatible con el sonido digital de la Sound Blaster 16, y que como también incluía el chip OPL3 lo era con la síntesis de audio FM de ésta y de la AdLib. Algunos modelos más baratos, no obstante, decidieron integrarlo en su procesador o simplemente no incluirlo y dar soporte mediante emulación. El sonido en este caso no era 100% el mismo, pero mantenía la compatibilidad. Por todo esto, a partir de su salida, estas tarjetas se consolidaron nuevamente como el estándar para uso doméstico, juegos sobre todo. Para los juegos antiguos se podían usar sus capacidades retrocompatibles, y los nuevos comenzaron a dar soporte en seguida.

Para un jugador de PC esta tarjeta aunaba todas las características deseables: funcionaba con todos los juegos y la música sonaba muchísimo mejor que una Sound Blaster 16, con soporte completo MPU-401 UART. Además fue una patada en sus partes a las Gravis Ultrasound, ya que se metía de lleno en su territorio gracias al chip EMU8000. Dotaba de síntesis wavetable de 32 voces usando su memoria RAM dedicada, que podía ampliarse en algunos modelos hasta unos increíbles (y carísimos) 32 megas. Curiosamente los populares trackers no dieron soporte directo a este increíble hardware (sí mediante compatibilidad Sound Blaster, por supuesto), tan sólo algunos reproductores especializados.

Los juegos que soportaban la AWE32 directamente ofrecían un sonido tremendo. No sólo por su sonido digital en calidad CD o su música compatible con General MIDI, también por sus efectos digitales como reverberación o flange. Además, como podíamos cargar en memoria instrumentos mediante el formato SoundFount, no todos los juegos tenían que sonar igual. Pese a todo, no hubo demasiado juegos que aprovecharan esta tarjeta, y la mayoría se limitó a usar el sonido digital heredado de la Sound Blaster 16 y reproducir música General MIDI de su banco de sonidos predeterminado.

Aunque la mayoría de las revisiones de la AWE32 consistieron en cambiar o quitar cosas (como la memoria disponible de fábrica, caso de la Sound Blaster 32), en 1996 se lanzó otro modelo que iba más allá de una simple revisión: la Sound Blaster AWE64. Las mejoras incluían un sonido más limpio gracias a una mayor relación de señal-ruído, un notable aumento de su polifonía (a 64 voces). El hardware era una ampliación de lo visto anteriormente, por lo que la compatibilidad estaba más que asegurada.

Las revisiones de la AWE64 fueron interesantes. La versión Gold nos acercaba al ámbito profesional al incluir un DAC profesional de 20 bits, así como salida por conectores RCA chapados en oro y una salida digital S/PDIF. La revisión Value, en cambio, se quedó sólo con lo concerniente al uso doméstico-lúdico a un precio muy competitivo, y aunque prácticamente no hubo soporte para AWE64 en los juegos era una forma más que asequible de jugar a los que soportaran AWE32 y compatibles, aunque sin posibilidad de ampliar la RAM. De todas formas, en AWE64 esto se volvió más difícil ya que se pasó del soporte de SIMMs estándar de 30 contactos a una memoria propietaria de Creative, más cara y difícil de encontrar. El dinero manda.

Las tarjetas profesionales: Turtle Beach

El mercado de tarjetas de audio para PC no estaba limitado a los juegos y las aplicaciones domésticas. Aunque a finales de los 80 y hasta bien entrados los 90 el vetusto Atari ST siguió siendo el rey de los estudios musicales (con los Macintosh a la zaga) los PCs también fueron una plataforma viable para la producción de audio profesional. Una de las casas más conocidas fue Turtle Beach, con una línea de tarjetas profesionales que empezó a venderse a partir de 1991.

El producto estrella de Turtle Beach en la era MS-DOS era la Multisound. La calidad de sonido de esta tarjeta estaba a otro nivel, que era naturalmente el uso en el ámbito profesional. Su corazón era un sintetizador profesional E-MU con hasta 4 MB de ROM, con capacidad de grabación en calidad estudio a 24 bit y entradas y salidas de sonido digital, todo ello en 1991, cuando la Sound Blaster se arrastraba para poder conseguir un sonido de 22 KHz mono en 8 bit. Incluso con la aparición de las AWE32 en 1994 seguían siendo competitivas, costando no mucho más que éstas por aquél entonces (alrededor de 400 dólares).

Naturalmente las aplicaciones de esta tarjeta eran muy especializadas, funcionando sólo con software específico. No eran en absoluto compatibles con el estándar de facto que era Sound Blaster, ni siquiera con MPU-401. La única forma de usarlas con juegos de la época MS-DOS fue a través de Windows NT, y sólo con un emulador tipo VDMsound, algo completamente desaconsejable y fuera del ámbito de este artículo. (además ocurrió mucho después)

Otros módulos y tarjetas General MIDI

Si bien todo el mundo estaba muy contento con las Sound Blaster, su calidad musical en juegos dejaba mucho que desear para los años 90. La solución era tener un MT-32, claro, pero eso requería un desembolso importantísimo. Además, al no cumplir la norma General MIDI no todos los juegos lo podrían usar correctamente o en absoluto.

El primer dispositivo destacable en este ámbito vino en 1991 y fue la Roland SC-55 (Sound Canvas), un módulo sintetizador MIDI que cumplió con General MIDI y con un nuevo estándar propietario de Roland, el General Standard, en el que al parecer se estrujaron bien el cerebro para darle nombre. Las bazas de este dispositivo eran notables: no sólo era compatible con General MIDI, haciendo funcionar muchos juegos de la época, sino también emulaba el MT-32 con su banco básico de sonidos. No sonaba igual, pero mantenía mucha calidad en los instrumentos y fue percibido como un sustituto bastante bueno. Una factor de forma popular en el PC fue la Roland SCC-1, con forma de tarjeta interna en lugar de módulo MIDI que ya incluía la funcionalidad del MPU-401.

No muchos juegos la soportaban directamente, aunque su compatibilidad con los estándares musicales de entonces hacía que funcionase razonablemente bien con programas que no estuvieran específicamente diseñados par ella. No obstante en 1993 el mismísimo Doom de id Sofware no sólo dio soporte específico, sino que su genial banda sonora metalera fue ideada para ser reproducida en este cacharro.

¿Dónde estaba Yamaha? Posiblemente trabajando en su estándar XG, eXtended General MIDI. En 1994 se lanzó el primer módulo que cumplía con esta norma, el MU80 Tone Generator. Superior al Sound Canvas y permitiendo mucha más variedad de modulación de los instrumentos, a lo largo de sus años fue vendiéndose como módulo MIDI o incluído en tarjetas de audio con capacidad de sonido digital.  Entramos no obstante en el pantanoso terreno del bus PCI, más moderno pero prácticamente incompatible con todas las tarjetas anteriores, que usaron el bus ISA. Durante muchos años, distintas versiones de Windows usaron un emulador de este estándar para dotar de sonido MIDI a su sistema operativo sin necesidad de un hardware de síntesis musical.

Los juegos de MS-DOS no se molestaron en dar soporte directo a las tarjetas y módulos XG, por lo que debía usarse simplemente como un módulo General MIDI controlado por una MPU-401 o compatible. El resultado era un sonido bastante bueno, pero que desaprovechó completamente las ingeniosas capacidades de este hardware.

Una cosa más (otras tarjetas interesantes)

Competir en la era de la Sound Blaster era más difícil que hacer gárgaras con polvos de talco. No obstante, a partir de que se popularizaran los middlewares y el software de Windows 3.X era medianamente posible ofrecer tarjetas alternativas.

Pro Audio Spectrum

Esta familia de tarjetas fabricadas por Mediavision comenzó su andadura en 1991, con la PAS original. Ofrecían compatibilidad con AdLib al incluir una pareja de chip OPL2 en su configuración, así como audio digital totalmente incompatible con el «estándar» Sound Blaster. También incluía una controladora de CD-ROM, pudiendo adquirirse modelos con diferentes estándares. Su sonido era de 8 bits, y no llegó a cuajar durando sólo un año, en el que fue sustituida por su sucesora.

Hoy es una tarjeta difícil de encontrar, con escasa literatura al respecto, aunque con soporte moderado en juegos ya que el driver las usaba igual. Existió una revisión que usaba un puerto ISA de 16 bits, que sustituía la parte de síntesis FM por un chip OPL3, pudiendo igualmente reproducir sonido a de 16 bit. Fue conocida como Pro Audio Spectrum Plus. Ambas tarjetas además podían emular el módulo MPU-401 en su conector para joysticks.

Al año siguiente aparece la Pro Audio Spectrum 16, hoy día más común y con características interesantes: sonido digital estéreo de 16 bits en calidad CD, similar al ofreció la Sound Blaster 16 en ese mismo año. Para los amantes de los juegos que no querían perderse nada incluyó compatibilidad completa a nivel de hardware con la Sound Blaster 1.5, de modo que ahora podía usarse con prácticamente todos los juegos del mercado, eso sí con una calidad inferior de sonido si no se incluía soporte para la PAS16. Estas características le permitieron venderse moderadamente bien y obtener soporte para la mayoría de juegos que usaran un middleware mayoritario.

Thunder Board

Además de la Pro Audio Spectrum la empresa Mediavision comercializó otra tarjeta más, sin relación con las PAS. ¿Qué razón habría para arriesgarse dos veces en este mercado? Bueno, no del todo: Thunder Board es un clon de Sound Blaster 1.5, pero a precio de estudiante.

Con ella se podía hacer lo mismo que con el producto de Creative con mucho menos dinero, y aunque en 1992 existían mejores tarjetas, la Thunder Board se erigió como una alternativa para gente tiesa de parné. Es más, en plena vorágine ahorradora se sacaron de la manga un producto muy singular: la Thunder and Lightning, que no incluyó mejoras en sus circuitos de sonido. Incluyó… ¡una tarjeta gráfica SuperVGA!

Es verdad que construir un PC era más barato gracias a estos dispositivos, pero uno se pregunta si es una buena idea acercar tanto los circuitos de audio y vídeo. No se ha podido encontrar más información.

Soundman Wave

En el mercado de producción amateur ya teníamos las Gravis Ultrasound, y un año más tarde apareció esta creación de Logitech. Un producto a caballo entre el hardware orientado a juegos y el sonido dirigido a pequeños estudios domésticos. Sus características no estaban nada mal para 1993: sonido en calidad CD tanto en reproducción como en grabación, controladora de CD-ROM y algo muy interesante: un chip OPL4 en lugar de los comunes OPL3. Además de las características de síntesis FM presentes en casi todas las tarjetas tenía capacidades wavetable, cuyo banco se hallaba en una memoria ROM de 2 megas.

Esta tarjeta tenía, sin embargo, dos problemas. Primero que, aunque era compatible con las Sound Blaster Pro, fallaba más que la Esteban en Cifras y Letras. O bien sonaba demasiado agudo, o no funcionaba uno de los canales o no sonaba en absoluto. Al final, a pesar de lo que aseguraba el fabricante, había que usar la compatibilidad con Sound Blaster 1.5, y el soporte nativo en juegos fue muy escaso. El segundo problema me duele más aún: al no tener memoria RAM a bordo el sonido wavetable se limitaba a los bancos proporcionados por su, por otro lado «enorme» ROM.

El fin de la edad de oro de MS-DOS

MS-DOS y sus derivados (PC-DOS, DR-DOS, 4DOS, etc) comenzaron como una interpretación sui géneris de CP/M, y se mantuvieron tremendamente obsoletos la mayor parte del tiempo en que permanecieron en activo. Tan sólo la omnipresencia de la arquitectura PC, la cantidad de software y hardware disponible y la facilidad de comercializar PCs clónicos hizo posible que viviera tanto tiempo. Pero la segunda mitad de los años 90 vio su reino caer, y con él la forma en la que entendíamos las tarjetas de sonido.

Con la aparición de Windows 95 por fin los desarrolladores comenzaron a abandonar MS-DOS, y gracias a su modelo de drivers era posible utilizar prácticamente cualquier tarjeta de sonido en todos los programas. Al no ser necesario que un programa diera soporte específico las tornas cambiaron. Además el bus ISA fue reemplazado progresivamente por el PCI, y el hecho de que los juegos sólo fueran capaces de manejar el primero creó un importante cisma en la tecnología de las tarjetas de audio.

El bus ISA estuvo presente desde la primera hornada de PCs, y con él era posible escribir en la memoria o usar los recursos del ordenador mediante interrupciones por software o canales discretos. Con PCI se pasa a un modelo de arbitrador de bus, más avanzado tecnológicamente pero totalmente diferente, y el soporte se limitó en la práctica a sistemas Windows o, como mucho y durante un tiempo, un driver que proporcionase compatibilidad ISA para juegos diseñados para MS-DOS. Dado que Windows 98 terminó por incluir compatibilidad por software con Sound Blaster, era posible usar casi cualquier tarjeta de sonido, por lo que se acabó dando la puntilla a la hegemonía de Creative.

Tras la parrafada

Dado el (muy) relativo éxito de mi artículo sobre los chips de sonidos más importantes de los videojuegos me decidí a hacer uno centrado en la era MS-DOS. Provoca menos nostalgia fácil, entre otras cosas porque no hay juegos de Nintendo o similares y a veces manejar y configurar estas máquinas era un soberano coñazo.

Lo de que prometía ser breve era broma, naturalmente. Se podrían escribir libros tan sólo de la AdLib, y podría haberme extendido en la historia del PC hasta haber caído rendido. He tratado, eso sí, de condensar lo más importante del mundo de las tarjetas de sonido sin dejar técnicas y tecnicismos sin explicar. Me he limitado a la era MS-DOS, aparte de por ser la que más interés me suscita porque se trata de una época con una idiosincrasia única, que por suerte o por desgracia me tocó vivir.

No me despido sin antes agradecer a mis amigos del sonido, que me han acompañado en esta larguísima disertación:

• La interrupción inquieta
• El sonido hiriente
• La enana en frecuencia modulada
• El enchufe sátiro
• Don MIDI In y don MIDI Out
• La compatibilidad loca
• El señor Kilohertzio
• El TSR morsegón
• La tarjeta humana
• Por último, don Hace Falta Más Memoria Convencional

Ni que decir tiene que comentarios o correcciones son más que bienvenidos, y si alguien quiere aportar sus bandas sonoras favoritas para estos importantísimos aparatos estaré encantado de leerlo.

La entrada La edad de oro de las tarjetas de sonido se publicó primero en Detrás del último no va nadie.

Entre los circuitos que han hecho posible el aspecto sonoro del entretenimiento digital se cuentan algunos realmente notables. Por las melodías que se han compuesto, por su impacto en la cultura, por sus capacidades o simplemente por el salto que han supuesto. Como buen aficionado a hacer listas chorra, voy a enumerar los que, a mi juicio, son más interesantes y merecen ser recordados.

Los albores del sonido

Los primeros computadores, enormes máquinas dedicados a investigación y cálculos militares, eran esencialmente mudos. Algunos daban algún que otro pitido, pero en 1961 llegó un paso de gigante y oímos al IBM 7094 no sólo tocar música, sino cantar. No fue sin embargo hasta 1971 que por fin aparecieron los videojuegos comerciales con Spacewar! (Steve Rusel), que incluía entre sus circuitos algunos generadores de ruido para amenizar el programa.

Tras esto, recordemos que se comenzaron a comercializar las consolas (empezando por la Magnavox Odyssey en 1972) que o bien eran mudas o con un sencillo buzzer como audio. En 1977 Atari lanzó al mercado su VCS, conocida más tarde como Atari 2600. Entre sus tripas encontramos el chip TIA, creado por el tito Jay Miner más tarde mejorado en sus ordenadores Atari 400 y 800.

Cualquiera que haya tenido una recordará su sonido crudo y desafinado. Tenía una salida mono, con dos osciladores con varios modos, cada uno con 32 niveles de tono y 16 de volumen. Era un generador de sonido programable (PSG) bastante pobre, pero fue uno de los primeros en ser reconocibles, fabricado en grandísimas cantidades y con varias revisiones. En los 80 derivó en el chip POKEY, usado en arcades famosos como Tetris (Atari, 1988) o incluido en algunos cartuchos de consola para ampliar sus capacidades de audio.

TIA, POKEY y muchos otros no eran un hardware dedicado realmente. Estos chips normalmente cumplían varios propósitos, como generar señales de video, caso del TIA; o servir de muestreador de potenciómetros y otras señales analógicas, caso del POKEY.

Texas Instruments SN

Uno de los primeros chips dedicados al audio que pudimos ver en un porrón de consolas fueron los de la familia SN de Texas Instruments. Nacidos a principios de los 80, estos chips contaban con unas características modestas: tres generadores de onda cuadrada y uno de ruido blanco, pero esta vez era más fácil modular el tono y el volumen.

La lista de sistemas que usan los SN es muy grande: Game Gear, Master System, Mega Drive, Sega SG-1000, Tandy 1000, IBM PCjr, Coleco Adam, BBC Micro, NeoGeo Pocket, multitud de recreativas… y muchos otros. Las consolas de SEGA, salvo la SG-1000, integraron este chip en sus procesadores de audio/vídeo. Se usaron en tantos sitios que fue uno de los sonidos más reconocibles de los 80, aunque era fácil confundirlo con su competidor directo: el General Instrument AY.

General Instrument AY

Este chip de audio nació un par de años antes que los SN, su competidor directo. Sus características son calcadas: tres osciladores de onda cuadrada y un canal de ruído.  No obstante, y aunque no es una característica para la que fue diseñado, es posible reproducir sonido digital PCM mediante técnicas por software, con un alto consumo de CPU. Además, al ser sus registros de mayor tamaño, era posible ajustar de forma más fina las frecuencias y otras características del audio de salida.

Las principales plataformas que usaron chips AY para reproducir sonido fueron el Amstrad CPC, Intellivision, Vectrex y Atari ST. Caso de este último todo un pesar de sus usuarios al ser comparado con las capacidades de audio del Amiga. 

Yamaha YM (OP)

La familia YM de Yamaha es variopinta y prolífica, y se ha usado en multitud de ordenadores y consolas, entre ellos multitud de tarjetas de sonido de principios de los 90. En general se trata de chips con capacidad de síntesis de audio modulado por frecuencia y varios canales PCM o ADPCM.

La serie OPL fue usada en cartuchos de expansión para ordenadores como el Commodore 64 y los MSX, pero sobre todo en las tarjetas de sonido para PC. Comenzando con la AdLib, y luego en casi todas las Sound Blaster de Creative Labs desde finales de los 80 a mediados de los 90. Caso de esta última acompañando a uno o varios DAC, pero conservando el sonido característico de los sintetizadores FM de Yamaha. De hecho, la gran mayoría de juegos de PC de esta época daban soporte a estos chips para reproducir música en sus juegos.

La familia OPN, en cambio, fue usada mayoritariamente en consolas de videojuegos,  aunque también en ordenadores japoneses de NEC, conocida como PC-88. También fue usada en alguno de los teclados de la época, con compatibilidad parcial con alguno de sus modelos más altos de gama, como la serie DX de Yamaha. El uso principal, no obstante, fue en consolas de videojuegos como la Mega Drive o la NeoGeo. En caso de la consola de SEGA con un sólo canal PCM y en el de la de SNK con varios ADPCM.

Otros sistemas se apoyaron en el audio digital, pero en la Mega Drive, así como en arcades de SEGA de 16 bit, se apostó fuerte por la síntesis FM en su chip Yamaha YM2612. Esto hizo que los sonidos de los juegos fueran menos realistas, pero que la música sonara como un sintetizador propiamente dicho. En las manos apropiadas se hicieron auténticas virguerías.

El resto de sus chips, con denominaciones mucho más variadas (OPN, OPP, OPZ, RYP4, PCMD8, SCSP…) fueron usadas en consolas como la Sega Saturn, pero la mayoría eran el corazón de sus famosos teclados y cajas de ritmos.

SPC700

La Super Nintendo era un sistema muy capaz en el aspecto sonoro. Esto era debido a un subsistema de audio particularmente bien diseñado y potente, el S-SMP. Este sistema incluía un DAC, una memoria SRAM de 64KB, una ROM de 64 bytes, un DSP y el chip SPC700, cerebro del sistema de audio. Fue diseñado por el ingeniero Ken Kutaragi, conocido por ser el padre de PlayStation.

Al contrario de muchos chips contemporáneos no se trataba de un generador programable de sonido, ni un sintetizador FM: era todo un motor wavetable de 8 canales digitales de 16 bit y 32KHz. Además se trataba de todo un sistema programable, ejecutando estos programas desde su memoria estática. El SPC no era capaz de leer la memoria RAM de la Super Nintendo, pero era posible transferir de la RAM principal a la SRAM del sistema de audio mediante la CPU, de modo que algunos juegos aprovecharon esto para intercambiar samples al vuelo y superar la barrera de los 64K.

En plena guerra de las consolas de 4ª generación el SPC700 supuso uno de los grandes argumentos a favor para la SNES. Con sólo un canal digital la Mega Drive difícilmente podía ofrecer efectos sonoros convincentes e instrumentos como baterías al mismo tiempo, algo que la Super Nintendo manejaba con solvencia. Al coste, eso sí, de no tener una síntesis de audio real, por lo que muchas veces 64Kb de SRAM se quedaban muy cortos para sonidos más largos, modulados o dinámicos.

APU

1983 eran unos tiempos convulsos para la industria de los videojuegos. Nintendo entonces hizo una gran apuesta con su NES, entre ellas encargar a Ricoh un chip de audio programable a un precio muy competitivo, y unas características superiores al AY y al SN. Cinco osciladores de ondas triangulares, sinusoidales y cuadradas, un generador de ruido y un canal en el que era posible reproducir audio PCM. Al no tener un canal DMA moderno era necesario el uso activo del procesador, cuando se reproducía audio de esta manera no era posible hacer mucho más.

Al principio, Ricoh era reticente a proporcionar estos chips al precio que Nintendo quería, pero tras la promesa de comprar grandes cantidades aceptaron con acierto, ya que se venderían muchísimos millones de consolas. Así nació el 2A03, designación comercial del Audio Processing Unit. (Por si el intrépido lector no se ha dado cuenta, APU no tiene nada que ver con Los Simpsons)

Aunque la Master System era un sistema más potente la consola de Nintendo se llevó el gato al agua, y hoy muchas personas identifican el particular sonido de su APU como el de la estética 8 bit. Además resulta evidente las capacidades superiores de este chip, más moderno y más enfocado a videojuegos.

Paula

Llegados a la época de los Amiga, éstos no tenían rival en cuanto a capacidades multimedia. En 1985 competía incluso contra maquinaria musical profesional, gracias a sus increíbles capacidades de audio. Gracias a una arquitectura orientada a multimedia y, por supuesto, de un chip llamado Paula.

Este chip era encargado de controlar la disquetera, las comunicaciones del puerto paralelo y por supuesto del audio. Sus capacidades eran asombrosas para la época: cuatro canales digitales de 8 bit o dos de 14 bit controlados por DMA. Gracias a este hardware comenzó la popularidad de los ficheros mod, que aprovechaban todas las características de audio del sistema.

El funcionamiento de este chip era más parecido a las tarjetas de sonido modernas que a lo visto hasta ahora. En lugar de que la CPU tuviera que ir mandando información al procesador de audio, sencillamente se le decía al chip Paula dónde estaba almacenado el sonido en la RAM, cómo queríamos reproducirlo y a qué volumen, cuándo parar… y él solito hacía su trabajo. Gracias a ello teníamos disponible la CPU completa para los juegos mientras sonaba música digital multicanal que barría a todo lo visto hasta entonces.

Otra característica de este chip, aunque poco usada, era usar un canal como modulador de otro, permitiendo una rudimentaria síntesis de audio modulado por frecuencia o filtrando los canales digitales, pero no fue muy utilizado porque sus resultados no eran tan impresionantes. Sí que se usó mas la mezcla por software, popularizándose los reproductores de audio de 8 canales digitales, pero consumía tanta CPU que no era práctico hacerlo en mitad de un juego.

SID

Para el final, y como siempre, mi superfavorito. El Sound Interface Device, más conocido como SID, es el chip de audio del ordenador más vendido de todos los tiempos: el Commodore 64. No es un sofisticado reproductor de audio digital ni nada de eso, sino un humilde sintetizador de audio programable mono de tres voces que sonaba como el diablo. Se le considera uno de los artífices de que en este ordenador naciera la demoscene.

Cada una de las tres voces tiene su propio oscilador programable, con curva ADSR (attack-decay-sustain-release) independiente y también puede controlarse con la CPU directamente.  También incluye partes analógicas externas como filtros de paso bajo, de ranura y de anillo independientes en cada canal, lo cual lo convierte en un verdadero sintetizador de audio moderno, todo en 1982 e incluido en un ordenador de precio más que competitivo.

Este chip, además, tiene más trampas que una película de chinos. Por ejemplo, resulta que al modificar uno de los registros a la frecuencia adecuada es posible reproducir sonidos digitales, a baja resolución, eso sí. Lamentablemente esto no estaba contemplado en el diseño, y fue «corregido» en la segunda revisión del chip haciéndolo casi inaudible. Por fortuna también era posible programar esta segunda versión de una forma particular para hacerlo reproducir audio digital, bajo coste de perder una de las tres voces.

En el papel este chip no parece gran cosa, y de hecho en los primeros años no fue explotado como se mereció. A lo largo de los años, autores como Jeroen Tel o Ron Hubbard exprimieron el potencial del SID en los juegos dotándolos de unas de las músicas más memorables de la época. La demoscene hizo el resto, sacando un sonido que rivalizaría con sintetizadores profesionales. Todo ello contribuyó a que incluso hoy día se le considere un sonido de culto, y aún sea muy valorado entre músicos y coleccionistas. También ayuda que sea una de las partes más delicadas del ordenador, requiriendo una línea de 12V AC (9 en el segundo modelo) dedicada y jodiéndose a la primera de cambio si la fuente de alimentación no hacía bien su trabajo.

El autor de este chip fundó la empresa Ensoniq, dedicándose a la fabricación de teclados sintetizadores. El segundo de ellos, el ESQ-1, fue lo que sus autores quisieron haber hecho del SID.

Alguno que otro más

Fue muy interesante que la PC-Engine, una modesta consola de 8 bits, tuviera unas capacidades gráficas y sonoras tan interesantes en 1987. Gracias a su CPU (que hacía el trabajo de audio también) poseía unas capacidades de audio muy buenas, mezcla de síntesis PSG y wavetable. Teniendo en cuenta el alcance de esta consola de 8 bits es para quitarse el sombrero.

En PlayStation pudimos oír audio digital de CD, pero no hay que olvidar el trabajo de PSU, Playstation Sound Unit. Este chip permitió 24 canales de audio digital ADPCM en calidad CD y música MIDI. Sí, el audio CD estaba muy bien, pero seguro que recuerdas las músicas de los Final Fantasy y similares… aquí Nintendo y su poderosa CPU de 64 bits no tuvieron mucho que hacer. PlayStation 2 incorporaba una mejora de este chip con más canales, más calidad, más efectos… y en fin, más de todo.

Sí que fue un gran contendiente el YMF295 de Sega Saturn, que permitía esto y más: síntesis FM, filtros mediante DSP, y una RAM dedicada. Todo ello además de un microprocesador Motorola 68EC000 para liberar a la CPU del trabajo. Por desgracia este complejo conjunto de tecnología no tenía capacidad de descomprimir audio.

Notas finales

En el mundo de la síntesis de audio ocurre algo curioso. Me encanta el sonido cálido de los sintetizadores analógicos antiguos como el Minimoog, y el poderío de los modernos sintetizadores digitales actuales. No obstante, de los 80 a los 90 tenemos un vacío de música pop mediocre. Pese a esto, una de mis aficiones es la música de los videojuegos de esta época, usando precisamente esa clase de tecnología.

Bueno, esto puede haber ayudado a que el estereotipo de música de videojuego (al menos de los clásicos) sea el de melodías muy pasadas de moda, o directamente pueriles. Pero los jugadores veteranos estaremos de acuerdo en que son una parte inseparable de la cultura digital.

No he querido entrar en el tema de las tarjetas de audio (Sound Blaster, Covox Speech Thing, etc) o de sistemas de propósito general dedicados al audio (MT-32) ya que no serían chips de audio propiamente dichos, pero sí que merecen un artículo largo y tendido. Tendrá que ser en otra ocasión.

He tratado de reunir y describir los mejores ejemplos (y los que más me gustan) de chips que dieron forma al sonido de los videojuegos en su mejor época, aunque reconozco que es raro hacerlo de una forma tan técnica. Quizá un día me anime y escriba algo sobre esta jerigonza de siglas y tecnologías incomprensibles. Oh, por supuesto aquí faltan muchísimos chips de todas las formas, colores y sabores, pero eso lo dejo de deberes.

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Hay algo en Kero Blaster (2014) que disipa todas mis dudas desde el primer momento: está firmado como el segundo juego completo de Daisuke «Pixel» Amaya, la mente detrás del legendario Cave Story (2004).

Las premisas de Kero Blaster son evidentes: un run’n’gun que imita a los clásicos del siglo XX en aspectos jugables y multimedia. De hecho incluso más parecidos que Cave Story, ya que en esta ocasión no hay apenas elementos de exploración o de diálogos, siendo casi todos los niveles lineales. Esto no tiene por que ser un punto negativo, a veces simplemente es una opción de diseño y en esta ocasión el buen diseño de niveles justifica esta elección.

Este es un juego inicialmente ideado para iOS, aunque no tardó en aparecer en plataformas más accesibles como Steam. Pese a esto, la jugabilidad y los controles no se resienten lo más mínimo (sólo he jugado en PC con un mando) y permite que se disfrute sin problemas. Es más, introduce un concepto que me ha encantado: mientras mantengamos pulsado el botón de disparo el personaje mirará en esa dirección, facilitando mucho las luchas contra enemigos grandes.

Volviendo a la jugabilidad sin duda no defrauda. Respecto a juegos como Cave Story puede que se añada una pizca de dificultad al dotar al personaje de algo más de inercia, sin llegar a ser como en el Super Mario Bros. (Nintendo, 1985). Ofrece una experiencia clásica, que sin embargo permite elementos modernos como poder salvar la partida o contar con muchos enemigos distintos en pantalla. Creo que limitar la memoria de vídeo a 64K, por decir, tampoco habría hecho de la experiencia ser más fidedigna. 

De los gráficos hay poco que decir, pero casi todo bueno. Es verdad que son muy sencillos, con pocos colores y baja resolución. Pero este es parte del encanto: Daisuke Amaya es precisamente conocido por expresar muchísimo con sólo un puñado disperso de pixels. Hay que decir que el personaje principal es un poco palo, pero el resto están perfectamente creados, y por simple que sea el manojo de pixels con el que están construidos parecen tener su propia expresión y todo.

El sonido está a la par de los demás aspectos y ayuda a que el aspecto general del juego sea genuinamente retro. Hay que decir que sale perdiendo si lo comparamos con Cave Story, pero aún así el estilo de Pixel se mantiene, y por tanto son melodías muy auténticas y que mantienen el carisma del juego. Al no haber componente de exploración en este juego es menos ambiental, pero también es posible componer una música con menos restricciones.

El juego mantiene una gran calidad durante toda la partida, con un buen diseño de enemigos, niveles y personajes. El argumento es algo sencillito, simplemente es un trabajador de una empresa de teletransportes haciendo unos trabajillos, alguno de los cuales se complica. Aunque no sean diálogos apasionantemente profundos están traducidos al español para nuestra comodidad. El peor punto del juego es su duración, que es alrededor de hora y media para un jugador no demasiado bueno (yo), pero nos garantiza que durante todo ese tiempo estaremos enganchados. Además tiene algo que me encanta, que es una tienda donde herirnos los coletos y mejorar nuestras armas y vitalidad.

Bueno, en realidad no tenemos que conformarnos con la hora y media de juego que ofrece, ya que al terminarlo se nos ofrece la posibilidad de hacer «horas extras». Es decir, niveles adicionales que son refritos de los anteriores con más dificultad, que no son tan sorprendentes como los del juego principal pero que están bien si nos hemos quedado con ganas de más. Además se han realizado dos spin-off: Pink Hour (2014) y Pink Heaven (2014), muy cortitos pero gratis.

Tanto si te gustó Cave Story como si simplemente eres aficionado a los run’n’gun esta es una gran opción para echar una tarde, ya que es un juego que suele encontrarse a un precio competitivo. Yo desde luego estoy esperando a la próxima producción de Pixel Studios.

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En 1996 crearon un juego fuertemente inspirado en el genial Sim City 2000 (1993, Maxis), es decir, un simulador de ciudades. No obstante su temática lo hace único: en lugar de ciudades deberemos construir el Cielo y el Infierno, para dar descanso a las almas de Planeta. Con los consejos de nuestros dos ayudantes, deberemos hacer que el descanso eterno de miles de almas sea rentable para nosotros.

Como ya hemos dicho, la vista y el planteamiento son tremendamente similares a Sim City 2000, tanto que a simple vista parece un clon descarado. Vista isométrica, carreteras, zonas, edificios… pero claro, no hay una sino dos ciudades, que corresponden al cielo y el infierno. Además en estos no hay policía o bomberos, aunque sí algunas estructuras únicas para asegurar el funcionamiento de nuestros premios y castigos.

Las almas que han pasado al Más Allá, dependiendo de si han sido buenas o malas, se alojarán en nuestro Cielo o Infierno. Según cómo hayan vivido sus vidas, se les asignará un castigo o premio de una clase, que viene dado por los siete pecados capitales y virtudes del catecismo: humildad/orgullo, caridad/avaricia, castidad/lujuria, pacifismo/ira, templanza/gula, satisfacción/envidia y diligencia/pereza. Bueno, la literatura teológica varía un poco de autor en autor, pero éstas son las que usa el juego.

Los encargados de ejecutar estos castigos (o satisfacer estos premios) son ángeles y demonios, naturalmente. Al principio tendrán que venir de otros reinos, de modo que nos costará una cantidad de peniques (el dinero del juego), pero luego podremos entrenar nosotros algunos. También deberemos tener en cuenta otros parámetros, como la capacidad de entrada/salida de nuestras ciudades, mediante puertas de entrada y trenes de karma, que permitirán que las almas salgan una vez finalizado su periplo en la tierra que les toque. Todo ello deberá ser lo más estable posible, para que los castigos y premios sean eficaces y nuestra economía no sea vea afectada por una mala planificación.

Uno de los puntos fuertes del juego es el humor que destila, en algunas ocasiones en referencia a la cultura pop y otras a la propia religión. Por ejemplo, algunos de los desastres del juego (esto también está fusilado del Sim City 2000) son Disco Inferno o que el Infierno se congela. También nos viene dado por los sarcásticos comentarios de nuestros ayudantes, Arya Buenhalo y Jasper Turbador (Arya Goodhalo y Jasper Wormsworth en el original), impecablemente doblados en el idioma de Cervantes, por cierto.

El doblaje es una de las grandes virtudes del juego. Tanto en español como en inglés el trabajo es impecable, y aunque los chistes han sido traducidos como se ha podido, el trabajo es de una calidad y profesionalidad altísimas. El resto del sonido del juego no se queda atrás, siendo los efectos de sonido un apartado que está a la altura. En la versión en español, eso sí, se pueden formar unos jaleos y guirigáis de voces un poco insoportables.

Los gráficos del juego también es un apartado que se mantiene. Los edificios son muy originales, y cada castigo y premio tiene multitud de ellos. Nuestros ayudantes, asimismo, están impecablemente animados y el conjunto del arte gráfico del juego es coherente y de una calidad digna de una empresa de George Lucas. La intro del juego, aunque original, no es inaudita, pero no deja de ser otra de las curiosidades bien hechas del juego.

En general podemos decir que la producción del juego es cuidada y digna de una gran compañía. ¿Cómo se mantiene su jugabilidad? Bueno, de nuevo está calcada de SimCity 2000, y es un juego que se deja jugar desde el primer minuto, y cuenta además con unos completísimos tutoriales narrados por nuestros ayudantes que nos contarán cómo se juega. Desde construir carreteras, entradas y salidas, edificios o monumentos hasta cómo equilibrar el delicado presupuesto celestial e infernal.

¡Vaya, este es un gran juego! ¿Cómo es que se habla tan poco de él? Bueno, éste podría haber sido una de las referencias del género por su variedad, originalidad y su genial factura. Lamentablemente adolece de unos problemas que han hecho que pase a la historia sin pena ni gloria. En primer lugar, pese a los entretenidos y completos tutoriales, es imposible enterarse cómo funciona la economía del juego, y perderemos peniques a mogollón mientras nos preguntamos qué demonios (je, je) estamos haciendo mal. Esto nos lleva a lo segundo: es tremendamente difícil y poco intuitivo, y aunque contamos con decenas de gráficos, mapas y pistas es sencillísimo perder los estribos del presupuesto y mandar al garete toda nuestra creación.

El juego tiene un simulador muy complejo, y tendremos que tener un ojo en las creencias de los habitantes de Planeta para planificar los castigos y premios que los alojarán. Incluso puede que apenas necesitemos el Cielo o el Infierno ya que podrían no creer en ellos. También tendremos que tener cuidado de que no se maten entre ellos, o que no destruyan su propio planeta haciendo el imbécil con una bomba atómica. Todo mientras hacemos cabriolas con el presupuesto más delicado de la historia, si es que tenemos narices de enterarnos cómo puñetas funciona la economía.

Con tantas virtudes que tiene, es una verdadera lástima cómo se estropea el juego con una dificultad tan implacable y una arbitrariedad indigna a la hora de equilibrar su jugabilidad. De haberse pulido mejor estos aspectos sin duda estaríamos recordándolo a la altura de las obras de Will Wright, y no olvidado en un cajón de Games for Windows 95. Al menos aún puede comprarse en tiendas como GoG por unos cinco pelotes, aunque nos tendremos que conformar con la versión de MS-DOS ya que la de Windows no va ni a tiros. Además, como es habitual en esta bendita tienda, ignoran por completo a la comunidad hispanohablante y sólo está disponible en el idioma de Shakespeare.

Aún con todos los problemas de los que adolece el juego vale la pena echarle un ojo. Aún hoy el juego aguanta, y lo original de la temática sigue siendo interesante hoy día. Vale la pena recordarlo, aunque la verdad es un juego que merecería verdaderamente recibir un remake, y no las de decenas de «clásicos» de Carlos Duty y de interminables Mariozeldas. No por que su aspecto pudiera estar desfasado, sino más bien para arreglar sus acuciantes problemas de salud generales. Pero me temo que su poca popularidad no va a ayudar a ello.

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Tras Legion, en el que debimos luchar contra los demonios en las Islas Rotas y en su planeta natal (que debe ser Chipiona o Chiclana) se ha filtrado el contenido de su nueva expansión: The Search for More Money. Según hemos podido saber, esta expansión estará cargada de nuevos contenidos.

La novedad que primero hemos podido corroborar es que se añaden muchas profesiones nuevas al juego. La primera es la de licenciado en turismo, que sorprendentemente no tiene ni una sola utilidad en el juego ni permite crear objeto alguno. Creemos que esto es así por tratarse de una beta, pero hay más profesiones: también es posible tener la profesión de bombero, que desconocemos en este momento qué utilidad tendrá dentro del juego. Sin embargo, nuestra favorita de todas es la de domador de boquerones en vinagre, que permitirá controlar a estas indómitas criaturas.

La nueva localización del juego no será otra que Villamanrique de la Condesa, localizado en una tierra hostil y completamente ajena a lo visto hasta ahora por los moradores de Azeroth, cuyos habitantes usan una extraña habla ininteligible para los aventureros. La expansión contará con dos nuevas razas: el coker spaniel y el pastor alemán, pero no hemos podido saber cuál corresponde a la Alianza y a la Horda.

También veremos una gran cantidad de armas y objetos nuevos, como toda expansión que se precie, así como muchos enemigos nuevos. Algunos de los que más nos han gustado han sido:

• La espada loca (que acierta menos que Paquirrín en Cifras y Letras)
• La daga ocultona (se trabaja la puñalada trapera)
• El zombie sátiro (enemigo que va con el muñeco fuera)
• La varita morsegona (para quincar a los lucios)
• La carterita inquieta (va gastando sola los coletos)
• Don Busca y Don Trae (dos NPCs que encargan mandados)
• El arco travieso (que se trae a los enemigos y deja a la banda palmolive y coronita sin limón)

Nos han asegurado que a la salida de la expansión estarán disponibles las mazmorras de la Guardia Civil y la banda de las Tres Caídas.

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